Novias Millennials ¿Como son?

Mucho se habla de los ” Millennials”:  que es la generación con más estudios alcanzados, que son marquistas, que no creen en los políticos. Pero en algo todos podemos coincidir y es en que vinieron a romper con los patrones establecidos hasta el momento (el mejor ejemplo la boda de Meghan con Harry)

Casarse es una de las tradiciones más importantes (sin importar a la generación que pertenezcas) es afianzar el amor y momento de unión con los familiares y amigos. Actualmente el 80% de las personas que están contrayendo matrimonio pertenecen a la también conocida generación “Y”.

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EL MERCADO DE NOVIAS ES UNO DE LOS LUCRATIVOS PARA LOS DISEÑADORES MODA

Ahora bien, estamos en frente a la primera camada de novias “nativas digitales” recordemos que esta es una de las características principales de este grupo, por lo tanto están hiperconectadas.  Las búsquedas de su vestido comienzan por medio de las redes sociales y páginas Web de allí la importancia de contar con espacios que estén bien diseñados y con un ambiente de navegación amigable.

A toda costa siempre van a buscar tener su propia identidad tanto en su vestido como en el lugar la decoración y temática de la recepción. Así que bye bye a usar algo por compromiso y tener un pastel tradicional, debemos presentarles propuestas creativas y que se adapten a la personalidad de los novios.

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Las Novias Millennials prefieren poner su toque personal en cada detalle

Aunque la búsqueda de opciones se haga por internet todavía el 70% de las novias prefieren adquirir su vestido en el punto de venta, sin embargo es importante contar con opciones suficientes para adaptarse a a los gustos de estas poco tradicionales novias.

Los Millennials están dispuestos a invertir para esta ocasión es por ello que en su mayoría cuentan ya con presupuestos claros sobre: cuanto pueden pagar por cada uno de sus gastos y están informados sobre los precios, calidad así como también de las cualidades de los productos o servicios que desean adquirir.

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Antes había un modelo de vestido y las mujeres se adaptaban, ahora ocurre todo lo contrario

Igualmente, esta generación está ávida por vivir nuevas experiencias y su boda no queda por fuera, es necesario conocerles muy bien; entender que nuestros modelos de negocios  deben cambiar su cara, para presentarlos un poco más allá de lo convencional y ser más originales. Debemos ser únicos, utilizar todas las herramientas tecnológicas que tengamos disponibles, adecuar nuestros espacios a las nuevas generaciones.

Estamos ante la presencia de un mercado que no deja de crecer y presentando nuevas oportunidades de negocios bastante lucrativas, pero no debemos olvidar que las Novias  Millennials vienen cargadas de ideas nuevas, que adoran estar conectadas, pero también disfrutar cada paso en su vida.

Todo lo que debes saber sobre las Campañas de Influencers

 

El marketing de influencers se ha convertido, hoy en día, en una pieza necesaria en el plan de marketing todas las marcas de moda, sin embargo la falta de certeza sobre como llevarlo a cabo, a veces significa que gastar dinero en ideas que no son realmente estratégicas y lo que es peor aún, no se pueden medir.

En un estudio realizado por la Asociación de Marketing Word of Mouth, descubrieron que  el ‘Boca-Oreja’ impulsa las ventas entre 5-200 más que los medios de comunicación de pago, por lo que las marcas de lujo ya no pueden permitirse perder el tiempo en campañas equivocadas. Las campañas de ‘influencers’ tienen la capacidad de crear un impacto emocional, algo que siempre ha sido el reto de la publicidad tradicional. Además, los seguidores se identifican inmediatamente con estos ‘influencers’  y con su contenido, lo que se traduce en ventas. Según el Informe de Influencers del 2017, el 74% de los profesionales de marketing y comunicación que trabajan en la industria de la moda, afirmó que sus estrategias con ‘influencers’ fueron eficaces en la consecución de ventas.

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Un 65% de marcas de moda trabajan con Influencers desde 2016

El mismo estudio afirma que los profesionales de RR.PP y comunicación son los encargados de negociar con ‘influencers’ para el 57% de las marcas. Estas acciones deben planificarse de una manera cada vez más estratégica, por esto queremos compartir 3 pasos esenciales que se deben tener en cuenta para asegurar que su próxima campaña de marketing sea un éxito.

¿Cuál es el objetivo de mi campaña de ‘marketing de Influencia?

El primer paso es entender tu marca, tu sector y por último lo que quieres alcanzar con tu proyecto: ¿ganar más notoriedad o aumentar tus ventas? ¿expandir tu alcance o construir más ‘engagement’? ¿ O es conseguir más cobertura en la prensa? Establecer una meta significa que al final tendrás algo sobre lo que reflexionar. Es difícil lograr mejores resultados sin plantear antes unos objetivos mínimos.

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Analiza bien que tipo de contenido generan los influencers con que te gustaría trabajar

Es frecuente que las marcas se centren en el alcance, pero si sus publicaciones están alcanzando la audiencia o la comunidad equivocada, entonces realmente no sirve de nada. Tanto las marcas pequeñas como las grandes tienen objetivos diferentes, unas pueden necesitar mayor alcance para construir mayor notoriedad de marca, mientras que otras necesitan mayor afinidad para conseguir ventas. Establecer un resultado real es lo primero que puede hacer para asegurarse que su campaña va por el buen camino.

¿Con quién debo hablar y cuál es el plan?

Todas las marcas están manos a la obra para elaborar su plan de ‘marketing de influencer’, entender con quien quieren trabajar y crear un plan para el proyecto lo más pronto posible ¡es tu mejor apuesta!

Una vez que tu equipo de marketing tenga claro el objetivo, es importante estar seguros de captar la atención de los Lideres de Opinión claves. Hoy en día, todo el mundo piensa en los líderes de opinión más obvios (o aquellos más conocidos) como la mejor elección, pero muchas veces en moda no sabemos quién es realmente nuestra audiencia y cómo podemos conectar realmente con ellos. No olvides que si no eliges un líder de opinión adecuado, puede que no obtengas los resultados deseados.

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La capacidad de identificar a la audiencia cuando descubres nuevos influencers, se se realiza de forma acertada, puede tener un rendimiento 5 veces mayor, que cualquier campaña de social media.

En un recuente informe de influencers cerca del 50% de participantes que trabajan en la industria de Moda y Retail afirman que la forma de medir los datos es el mayor reto cuando trabajas con ‘influencers’. ¿Cómo convertirte en un experto y saber más que el otro 50% de los competidores dentro industria? Es muy frecuente que las marcas intenten hacerlo de forma manual y pierdan información esencial que no pueden ser traqueada sin una herramienta adecuada o información sobre la audiencia. Peor aún, hoy en día vemos marcas que tienen demasiadas herramientas, lo que hace imposible comparar los datos de cada medio (impresos, online o sociales) para obtener una lectura real de todos los resultados.

Es importante que le dediques tiempo a evaluar tu métricas ya sea de forma manual o implementando alguna herramienta, pues no tienes otra forma de evaluar el impacto de los contenidos que estén realizando los Influencres, así mismo solicita a tu candidato sus métricas, tipo de público y región donde este tenga alcance para que analices si son compatibles con tus objetivos.

 

 

 

 

 

Monikini: Provocar el Éxito en la Moda

Las tendencias contribuyen a uniformizar el mercado textil. En estas condiciones, para una marca no es fácil distinguirse. Debido a ello, la moda, más que cualquier otra industria, ha recurrido a la provocación. Hoy los juegos corporales, lo lícito e ilícito, constituyen una obligación en este sector.

La provocación utilizada como recurso para llamar la atención debe mucho a un diseñador llamado Rudi Gernreich. Que si bien no es tan conocido por el público su trabajo es por el contrario, muy popular entre los profesionales: Tom Ford ha insistido muchas veces de su deuda contraída con él. Efectivamente Gernreich, presenta esa mezcla tan propia del mundo de la moda de oportunismo comercial, sentido artístico y militancia a favor de la liberación de las costumbres; en él se resumen las complejas relaciones entre la moda y el escándalo.

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Rudi Gernreich

Este creador tuvo una oportunidad que tal vez ningún otro podrá conocer: la de promover su nombre a través de un escándalo planetario. Esto ocurrió al diseñar en pleno 1964 el Topless Swimsuit conocido también como el Monokin, que desencadenó una polémica hoy en día difícilmente imaginable. Por más que busquemos otra creación susceptible de conmocionar tanto a la opinión pública, no la encontraríamos. Rudi no solamente nos ha legado el Monokini: también hizo de la provocación un ejemplo indispensable para las marcas de moda.

Nacido en Viena llega a Estados Unidos con su familia post Segunda Guerra Mundial. Su primer trabajo fue en una morgue, lo que le permitió estudiar muy bien el cuerpo humano. Profundizó sus conocimientos en anatomía convirtiéndose en bailarín y para ganar dinero extra diseñaba vestidos.

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Monikini 1964 aquí llevado por su Musa Peggy Moffit

Gernreich sabía hacer que hablarán de él; uno de sus asociados le describiría incluso como una “Bestia Publicitaria”. Efectivamente, cada año lograba atraer las miradas contando historias inesperadas poniendo sobre la pasarela de sus desfiles desde payasos, pasando por monjas hasta llegar a  vaqueros.

La idea del Monokini vino a su mente por primera vez 1962 sin embargo otro diseñador de la época Emilio Pucci declaró en ese mismo momento a través de una entrevista “que las mujeres abandonarían la parte superior de sus trajes de baño en menos de 10 años”. Encendiendo sus alarmas pues alguien se le podría adelantar. Aunque no fue hasta finales de 1963 cuando Susanne Kirtland, de la revista Look, le informara que prepararía un artículo sobre su pieza comentándole que era muy difícil para ella escribir sobre algo que aun no existía y le suplicó lo creara.

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El Monokini llegó a ser prohibido hasta por el Papa

Este se puso manos a la obra primeramente desarrollando un Sarong Balinés que quedaba justo debajo de los senos pero Susanne Kirtland no lo aceptó porque lo consideró  muy poco atrevido. Finalmente Gernreich diseñó un bañador con tirantes que ponía al descubierto todo el pecho. Fue fotografiado en las Bahamas, pero esta vez la Revista Look se asustó ya que ninguna modelo aceptó usarlo, por lo que esta revista decidió solo publicar la foto de espaldas;  algo que enfureció a Gernreich pues no quedó a gusto con el resultado más aún porque la única que se atrevió a posar con él fue una prostituta local algo que se dió a conocer inmediatamente.

Decide realizar una nueva sesión de fotos y busca a dos grandes amigos (con quien realizará trabajos extraordinarios hasta los últimos días de su vida) la modelo Peggy Moffit y su esposo el fotógrafo William Claxton. Buscando no entrar en clichés evita a Playboy y revistas de este tipo, pero nadie tenía el valor de publicarlo fue rechazado por Newsweek y muchas más.

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Trabajo realizado por Rudi, Peggy y William

Determinado a salirse con la suya va acompañado de Peggy Moffit quien iba vestida con un Kimono pero en la parte de abajo llevaba el famoso Topless Swimsuit, acudió a una cita con la prestigiosa Diana Vreeland editora para ese entonces de Harper´s Bazaar quien al preguntarle por el osado bañador recibe como respuesta a Peggy quitándose la ropa mostrando la pieza en todo su esplendor y a Gernreich declarando: Que el Monikini representaba la libertad, un manifiesto sobre las ataduras que la moda y las reglas impuestas por una sociedad retrograda que se niega al cambio.

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Reportaje que le dedicó la prestigiosa revista Life al Monokini

Poco a poco comenzaron a salir las primeras fotografía de esta increíble pieza provocando un escándalo sensacional, los medios centraron toda su atención haciendo muy popular la palabra Monokini, cumpliendo de esta manera los objetivos de su autor hacer su nombre popular.

Solo se vendieron 3000 piezas una cantidad bastante moderada a pesar de las manifestaciones fuera de las tiendas, los sermones en las iglesias y los ojos impávidos de quienes no podían creer lo que estaba ocurriendo.

Luego de esto  Gernreich tiene dos éxitos comerciales (no publicitarios) el No Bra y el No Bra Bra ambos considerados avances en la ropa interior femenina pues estaban compuestos de telas elásticas sin ningún tipo de alambres lo que le brindaba a las mujeres mayor comodidad y libertad en sus movimientos.

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Anuncio publicitario del No Bra Bra

Luego en 1974 propuso “Otro Traje de Baño” llamado el Pubikini que dejaba parte del pubis al descubierto y sugería que el vello se tiñera de un color parecido al del bañador.

A pesar de todos los escándalos es importante señalar lo relevante del trabajo de este diseñador; pues marcó el uso de la provocación en el mundo de la moda, estrategia utilizada en infinidad de campañas publicitarias, que van desde un YSL desnudo posando para promocionar su perfume en los años 70s, a una Kate Moss famélica e inocente mostrando la ropa interior de CK en los 90s  o más recientemente las fotografías de Tom Ford para Gucci.

Algo hemos aprendido de todo esto y es que definitivamente “El sexo vende” pero en la moda siempre debemos agregarle un toque Chic.

 

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El Pubikini de Gernreich

 

Microinfluencers los nuevos líderes en la industria de la moda y los cosméticos.

El prestigioso centro Launchmetrics ha publicado su cuarto informe anual sobre el estatus del marketing de influencers en los sectores de moda, lujo y cosmética que revela varias tendencias, relacionadas con el creciente canal de marketing digital; entre ellas sesgos en sectores demográficos objetivos, cambios en la remuneración de los influencers y el crecimiento de los microinfluencers.

Para realizar el informe se encuestó a 600 profesionales del mundo del markéting, relaciones públicas y comunicaciones de la industria de la moda, el lujo y la cosmética de Europa y Estados Unidos, además de a 200 influencers. Los resultados revelan que el 78 % de las empresas realizaron en 2017 campañas de marketing que implicaban a influencers.

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Esto supone un aumento del 13 % si lo comparamos con el 65 % de empresas que se involucraron en el marketing de influencers en 2016, según el informe anterior. Esto sugiere que el uso de influencers, que ya se posicionó como un elemento más de la industria, está lejos de desaparecer a corto plazo.

La creciente popularidad del marketing de influencers está sin duda vinculada a los beneficios obtenidos, que son muchos y bien aceptados. El 90 % de los profesionales de marketing encuestados, por ejemplo, cree que el marketing de influencers es efectivo para generar conciencia de marca, el 73 % declara que contribuyó a fortalecer la fidelización del cliente y un 69 % piensa que esa práctica influyó en el aumento de ventas.

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Mientras que cada vez más las marcas buscan diferenciar las estrategias de marketing en un intento por conectar mejor con los distintos tipos de consumidores, el informe muestra que el marketing de influencers está principalmente enfocado a los millenials, y el 76 % de los profesionales identifica este rango de edad como objetivo principal en sus estrategias con influencers digitales. La Generación X ha resultado ser el segundo grupo de edad más buscado, con un 20 %, y la Generación Z queda un tercer puesto con un insignificante 3 % (una cifra que resulta sorprendente para una generación nativa digital).

Para llegar a estos consumidores, el 46 % de los profesionales de marketing prefiere trabajar con microinfluencers (definidos como aquellos con entre 10k y 100k seguidores en sus canales de redes sociales) y un 34 % prefiere a los macroinfluencers (entre 101k y 500k seguidores). Solo el 9 % favorece a los megainfluencers (entre el medio millón y los 1,5 millones de seguidores), mientras que el 11 % considera que las celebrities (más de 1,5 millones de seguidores) son la herramienta de marketing más efectiva.

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Dicho esto, solo el 8 % de los profesionales de marketing afirmó que el número de seguidores fue un factor clave en su decisión para trabajar con un influencer. En cambio, la calidad del contenido destacó como la consideración más importante,  citada por el 45 % de los encuestados.

“Cuando pensamos en la palabra influencer, lo primero que nos viene a la mente son famosas como Rihanna o Selena Gomez”, pero en realidad, para muchas empresas “los microinfluencers son el activo más valioso para llegar a un público nicho y obtener resultados reales”.

Como era de esperar, Instagram continúa su reinado como plataforma más popular entre los influencers, y es dos veces más popular que cualquier otro canal entre los profesionales de marketing, preferido por el 36 %. Facebook ocupa el segundo lugar con el 16 %, mientras que los blogs ocupan el tercer puesto con un 13 %, ambos pierden cuota frente a Instagram, aunque el gran perjudicado es Snapchat, que baja del 10 % en 2016 al 6 % en 2017.

El informe atribuye la consolidación del dominio de Instagram como plataforma de influencers a la llegada de funciones como Instagram Stories y, especialmente, Instagram Shopping, que permite al consumidor avanzar hasta el proceso de compra sin salir de la aplicación.

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Entre los propios influencers, los datos son aún más sorprendentes, el 99 % de los encuestados afirma usar Instagram para crear contenido. Facebook (67 %) perdió el segundo puesto frente a los blogs (85 %).

La realidad de las relaciones entre marcas e influencers también está cambiando: aunque el 98 % de los profesionales de marketing citaban las muestras y obsequios entre sus tácticas para trabajar con influencers, el 41 % afirma que ahora pagan a los influencers “siempre o casi siempre” por las campañas. Además, el 60 % cree que el gasto en campañas con influencers aumentará en el futuro.

Algo interesante, ya que para los influencers la compensación económica y la creación de contenido de calidad son las principales motivaciones para aceptar proyectos, ambos aspectos mencionados por el 63 % de los encuestados.  Los productos gratis, por otro lado, caen al final de la lista, citados solo por el 20 % de los influencers que participaron en el informe.

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De hecho, ahora que el marketing de influencers exige un mayor compromiso financiero por parte de las empresas, y que las industrias de la moda, el lujo y la cosmética están experimentando un boom de microinfluencers, las marcas tendrán que empezar a ser más selectivas con los profesionales digitales que eligen para maximizar las inversiones.

Tal y como indica el informe, esto podría llevar a avances interesantes ya que “harían falta profesionales para obtener más experiencia o utilizar herramientas de influencia especializadas para identificar a los líderes de opinión clave”. En cualquier caso, parece que está más claro que nunca que los influencers han llegado para quedarse.

La Calle y la Internet: Inspiradores para las Marcas de Lujo

Es el momento de auge en el universo digital, las marcas que están redefiniendo el concepto de lujo afirman que lo verdaderamente interesante está en la calle y en el internet. De allí toman sus referencias para reinventar esta idea, que ya no se preocupa por cuánto cueste una prenda o un accesorio ni tampoco basa su modelo de negocios en la exclusividad. Para las nuevas generaciones, lo que importa de una marca de moda es que sea representativa de una identidad construida a modo de rompecabezas: estas firmas le brindan a los jóvenes la capacidad de acceder, y en ese acceso a ciertos consumos se juega el proceso de decir quién soy.

Anteriormente, las casas de moda por medio de sus directores creativos nos transportaban a un universo lleno de conceptos, donde nos invitaban a traducir sus temas de inspiración a través de la ropa, sin embargo hoy en día todos han vuelto sus ojos directamente a lo que sucede fuera de sus estudios. La técnica mirar desde la ventana y el móvil  lo que está ocurriendo.

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El sitio Business of Fashion informó el año pasado que las tres marcas de indumentaria mejor posicionadas del año fueron Gucci, Balenciaga y Off-White, lo que se interpreta como un posicionamiento del streetwear dentro del consumo de moda. Tomemos el caso específico de la Casa Balenciaga en cuyo ADN está inmerso su fundador quien ha sido considerado un genio y arquitecto de las formas que plasmaba en cada una de las piezas que realizó. Todo era fabricado a la medida (el verdadero concepto del lujo) se obsesionó con crear la manga perfecta y prefirió cerrar sus puertas antes de caer rendido a los pies del indeseado Prét á Porter quien llegaba a imponer una idea jamás  concebida democratizar la moda.

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Hoy en día solo nos resta ver sus campañas llenas de Paparazzis, ropa talla XXL, combinaciones estridentes y zapatos deportivos fabricados en China. Perdiendo totalmente la exclusividad que le caracterizaba hace unos años atrás mostrando una estética totalmente opuesta dejando solo como referencia su nombre.

Sin embargo uno de sus productos insignia: las zapatillas Triple S , que encarnan el estereotipo de calzado que usaban nuestros padres en los 90, se agotan al instante en cada reedición.

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Entonces, ¿Cómo podemos explicar este fenómeno? Primero que nada debemos comprender cómo deconstruyen estas marcas a sus consumidores:

– Entienden a la perfección los deseos de la Generación Z, jóvenes nacidos a mediados de los 90 que representan el nuevo target de consumo fashionista. En ese sentido, la idea de accesibilidad siempre está presente; no hay un interés por consumir algo exclusivo sino de apropiarse de ciertos conceptos y combinarlos creando una identidad propia. Algunos referentes de este target de consumo y que son fundamentales a la hora de comunicar esta forma de entender la moda son las Bella y Gigi Hadid, Luka Sabbat, Zendaya, Cardi B, Jaden Smith y Justin Bieber, por nombrar algunos pocos.

– Otro gesto revolucionario de este nuevo comportamiento es que no le temen a la copia. Más bien lo contrario, la interpretan como un síntoma de éxito e incluso ellas mismas copian de otros lados sin demasiado interés en disimular.

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– En cuanto a la comercialización, apuestan a la venta por internet mucho más que a las tiendas físicas, e invitan a sus desfiles por whatsapp e Instagram en lugar de enviar invitaciones formales, lo que habla de una presencia digital avasallante.

-El hecho de que Virgil Abloh, fundador de Off-White, haya sido elegido como director creativo de la línea masculina de Louis Vuitton habla de la necesidad que interpretan los conglomerados de lujo de copiar las estrategias de comunicación de las marcas de streetwear. Estas ideas son criticadas por diseñadores como Raf Simons, que afirman que la moda debería aportar algo nuevo, no solo tomar cosas del pasado.

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-Colaboran con marcas deportivas con Nike y Adidas, pero también con tiendas que poco tienen que ver con la moda como Ikea o DHL.

-Las prendas que diseñan tienen claras inspiraciones callejeras. El cinturón de Off-White que es un éxito de ventas emula las vallas de seguridad de una obra en construcción. Sus prendas llevan impresas flechas e indicaciones a modo de señalética urbana. Vetements es otra marca que imprime señalética, flechas, y modos de uso en sus prendas. Los textos en la ropa, zapatillas y carteras funcionan a modo de marquesina de la propia identidad, con una altísima cuota de humor.

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– La memoria emocional está funcionando de manera eficaz para estas marcas. A la idea de que la moda siempre tiene que proponer ideas nuevas para atraer se contraponen estas marcas que apelan a la infancia, a los recuerdos y a cierto afecto para lograr empatía.

– La calle es la fuente de inspiración primordial, pero también internet y las redes sociales a modo de tribu urbana moderna. De la calle toman la cultura skater, el fútbol, lo experimental, el tránsito urbano y la comodidad. De internet toman las nuevas formas de comunicación, las estéticas de las redes sociales, el lenguaje y la velocidad.

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La calle aspira al lujo tanto como el lujo ansía la calle. La primera aporta la credibilidad y la experiencia mientras que el segundo otorga estatus o posición social. Por eso siempre resulta interesante ver que se produce en ese encuentro entre potencias. Lo que es verdadero es que los jóvenes de las nuevas generaciones necesitan nuevas maneras de aproximarse a la moda, de una forma que no tenga tanto que ver con la pose y la fachada sino con algo mucho más natural, que incluya sus gustos y su manera tecnologizada de ver el mundo. Y, en ese sentido, algo nuevo está pasando.

Te Encanta la Moda pero no Quieres Estudiar Diseño: Esta Carrera es para Ti

En los 15 años que tengo dando clases en diseño de moda puedo afirmar que “No todos tienen las aptitudes para poder ejercer esta profesión” coser, dibujar, hacer patrones y desarrollar conceptos no es lo único que puedes hacer si tienes “actitudes para la moda”, este universo es enorme en opciones ideales para aquellos que sienten acelerar su corazón cada vez que ven correr un look en las pasarelas.

El estilismo de moda nace a través de los editores de las revistas eran ellos quienes seleccionaban la ropa, accesorios y diseñadores que aparecerían en sus páginas aunque; en la década de los 60s lo importante era el vínculo entre la modelo y el fotógrafo, por lo tanto estas tenían que maquillarse y peinarse por sí mismas muchas veces llevando sus propios accesorios. No es esta bien entrados los años 80s que publicaciones nuevas como The Face abren paso a estos creativos que comienzan a imponer sus ideas en las sesiones fotográficas, tanto que cambiaron completamente la forma en que se construyen los editoriales.

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Editorial  1947

Un estilista de moda es la persona que se encarga de elegir un look con la finalidad de comunicar una idea, una tendencia, un tema o anunciar algún producto. El estilismo es una manera de juntar prendas y accesorios para que se muestren de una manera atractiva y deseable con el objetivo de venderlos, es por ello que todo debe coordinar.

Se pueden realizar estilismos solo con prendas o un grupo de estas, con o sin modelo, la idea del proceso es la experimentación para lograr la combinación perfecta, entre colores, estampados y formas. El campo de trabajo es bastante nutrido, ya que se puede ejercer para editoriales (revistas y periódicos), anuncios o campañas (publicidad) desfiles y eventos o con clientes particulares (personal shopper).

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Las fotografías estilo bodegón es uno de los métodos

más utilizados por los estilistas de moda

Que debe tener un estilista de moda:

1 Ser investigador: estar al día en todo lo referente a las tendencias, el Street Style, que se está usando, que lugares se visitan, los materiales que se estén implementando. Para lo cual debes estar siempre conectado, leyendo revistas y actualizándote.

2 Entender la moda: Todos los estilos tienen un origen, conocer la historia de la moda es fundamental, requieres tener amplios conocimientos sobre quienes fueron las personas y hechos que marcaron tendencias  en los diversos periodos. Aquí hay dos puntos importantes: A) Los editoriales en su mayoría narran algo, esta es una de las principales fuentes de inspiración. B) Te ayuda a combinar elementos y crear nuevos conceptos (por ejemplo como sería un barroco actualizado) recuerda que debes manejar todo a través de la comunicación visual.

3 Hablar con el lenguaje de la moda: No existe otra forma de expresarte;  debes ser capaz de describir e identificar, colores, estilos de prendas (cuellos, puños, tipos de faldas) así como también de accesorios, textiles, estampados y técnicas. El correcto uso de estos términos resulta fundamental para explicar que artículos se requieren para una sesión fotográfica o escribir sobre moda.

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Fotos de Grace Coddington para Vogue

4 Tener un portafolio: Esto es fundamental porque te permite mostrar tu trabajo, aquí debes ser muy cuidadoso en los detalles pues es tu carta de presentación donde muestras tu sello personal y las habilidades que tienes en el sector. Trata que las fotografías se vean de calidad y muestre tu creatividad al máximo.

5 Saber manejar correctamente las relaciones públicas: Aquí  es importante sepas desenvolverte con las personas y diseñadores que dirigen las marcas, pues son tu fuente principal de trabajo pero también tus proveedores, sin ellos no tienes material para laborar. Todo debe ser solicitado y entregado de manera formal, dar los créditos respectivos también ser muy cuidadoso con ese material y sus posteriores publicaciones, existen marcas que solo permiten que sus artículos sean fotografiados en (total look) es decir, que no se hagan combinaciones con otros. Debes conocer sus políticas de mercadeo antes de hacer algo con sus diseños.

6 Siempre debes hacer un Brief, donde llevas las anotaciones pertinentes al trabajo que ejecutarás con el tema, imagen que se desea proyectar, involucrados, horas, locación. También es casi obligatorio llevar una agenda para que nada se te olvide, trata de cumplirla al máximo.

7 Es importante tener un cuaderno de bocetos, cuando trabajamos en procesos creativos es necesario fijar el concepto que vamos a desarrollar, forma parte de la  investigación y nos ayuda sobre todo a no divagar y estar centrados hacia dónde vamos.

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Cuaderno de Bocetos

Lo que jamás te debe faltar:

1 Tijeras, agujas e hilos

2 Cinta métrica

3 Alfileres e imperdibles

4 Pinzas para ajustar la ropa

5 Cinta adhesiva para proteger

las suelas de los zapatos

6 Cinta doble faz para tomar ruedos

o ajustar las bubis

7 Hilo trasparente cuando trabajas en

bodegones o Visual Merchandising

8 Plancha a vapor

9 Tabla para planchar y rodillo

quita pelusas

10 Fundas para proteger la ropa

11 Maletas con ruedas

12 Perchas.

Las mejores:

Grace Coddington: Creadora de las imágenes más impactantes en el mundo de la moda, trabajó en Vogue y creó para ellos verdaderas historias contadas en increíbles fotografías.

Rachel Zoe: La estilista de las grandes estrellas, ha sido el artífice de crear looks memorables para todo Hollywood, también de imponer el estilo hippie chic en sus famosas clientas.

Carine Roitfeld: Sus editoriales siempre han sido controversiales, pues comunica la moda desde un punto de vista libre y lleno sensualidad, después de ser estilista llegó a convertirse en la editora de Vogue Francia.

Jeanette Friis Madsen: El nuevo descubrimiento en el mundo de la moda, es editora de la Revista Costume en Dinamarca creando combinaciones pocos usuales con maxi tallas ha logrado impactar.

Carolyn Aldana @thefashionteacher

Glam Punk la Nueva Visión de la Moda

No existe nadie con suficiente conciencia de sí mismo que no este relacionado con la colectividad y a través de ella. El hombre tiene una naturaleza social: su comportamiento, su personalidad, su manera de vestirse, se explican en parte por su relación con otros individuos.

Pero evidentemente necesitamos interactuar y aunque muchos opinen que ya no somos tan comunicativos, la tendencia demuestra lo contrario ahora más que nunca al estar conectados compartimos más información. Usando en la mayoría de los casos un lenguaje universal, único y de fácil lectura conocido como “Moda”.

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Para que un proyecto de vestimenta tenga éxito debe partir de 3 sistemas:

1 El cuerpo como soporte (con todos los aspectos de su apariencia: peinado, cosmética, tatuajes, ornamentación)

2 El de la vestimenta (incluye los elementos portados y vestidos: ropa, calzado y accesorios)

3 El contexto de referencia (espacio, tiempo, lugar, situación histórica, cultural, social, política, económica, entre otros)

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Así nace el Glam Punk, como una renovación de la rebeldía, el sexo y la violencia que marcaron la cultura pop universal pero que necesitaban ser reinterpretados debido al cambio de contexto en que el mundo se ha visto envuelto durante muchos años.

Sin lugar a dudas los 90s permitieron a los creativos de la moda jugar con este nuevo concepto que venía buscando su propia identidad una década atrás con los cantantes de las bandas de rock, quienes habían aportado sin querer ese estilo Glam que no tenía en sus tiempos originales.

Existen diseñadores que han sabido reconocer muy bien estos elementos incorporándolos en sus colecciones, tomando como referencia un concepto del pasado, logrando de esta manera desarrollar nuevos códigos visuales, actualizados pero siempre con un claro mensaje de su origen.

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Uno de ellos evidentemente fue el maravilloso Alexander MacQueen quien al igual que su predecesora Vivienne Westdood toma los elementos tradiciones de la indumentaria Inglesa específicamente el tartán y las líneas llevándolas a formas jamás imaginadas, impregnadas de rebeldía, sexualidad y una manera irreverente de ver la moda. Esa mezcla de elementos únicos desarrollaron una forma de portar lo que usamos como un manifiesto en contra de los paradigmas sociales

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Sin embargo observamos en el trabajo de Gianni Versace otro lenguaje de estas estéticas, que originaron de su marca un imperio en el mundo de la moda. ¿El éxito? tomar los materiales del punk y sus significados, transportándolos hacia la sensualidad, representando el énfasis a través del cuero, las correas, el sadomasoquismo, en la silueta femenina. Haciéndola  ver muy sensual pero también empoderada y muy segura de sí misma. Llena de ganas de vivir pero también de disfrutar.

Las estéticas jamás vuelven iguales porque como todo mutan, se trasforman y generan un nuevo lenguaje usando como ente comunicador exclusivamente a la moda.