Cómo los soportes digitales han cambiado nuestra manera de leer

De Gutemberg al iPad

La implementación de nuevas tecnologías (teléfonos celulares inteligentes, tabletas, conexión 24/7 a internet y aplicaciones de redes sociales) han establecido un cambio en la sistematización de la lectura.

Recordemos que la lectura es un ejercicio que nos habilita a acceder a la información y que, a mayor experiencia, mayor entendimiento y velocidad de lectura.

El proceso de lectura

El proceso de lectura es un proceso cognitivo y mecánico inducido por la educación y por la experiencia. Comenzamos reconociendo cada glifo o letra, asociándolo a un sonido, idea e imagen.

Weber ha planteado tres bases para la lectura:

  1. Saber pronunciar las palabras escritas.
  2. Saber identificar las palabras y el significado de cada una de estas.
  3. Saber extraer y comprender el significado de un texto.

El proceso de aprendizaje de lectura es un proceso que requiere de una larga experiencia. Lo comenzamos a muy temprana edad (3-6 años), aprendiendo a reconocer la forma de las letras (identidad visual), asociándolas a un sonido (identidad oral). Continuamos asociando un conjunto de letras, armando sílabas, que luego pasarán a formar palabras o ideas gráficas (mamá, papá, casa, flor…). Esto es el proceso de aprendizaje de la lectura mecánica, donde todas esas asociaciones se han de hacer con rapidez, con una velocidad que mecánicamente y comprender el sentido de lo se que está leyendo.

En ese proceso de aprendizaje se va profundizando en la complejidad de la lectura (letrassílabas-palabras-frases), creando ya no asociaciones a objetos, sino a ideas o a acciones. Luego comienza la lectura comprensiva. Para realizar la comprensión de un texto escrito, no solo se han de asociar las letras con los sonidos correspondientes, sino también las palabras con su significado.

El fin de la lectura es llegar a una lectura reflexiva, que significa llegar a alcanzar una postura de reflexión crítica acerca de lo que se ha leído.

La lectura diagonal

En la lectura diagonal, el lector solamente lee los pasajes especiales de un texto, como títulos, la primera frase de un párrafo, palabras acentuadas tipográficamente (negritas, cursivas), párrafos importantes (resumen, conclusión) y el entorno de términos importantes como fórmulas (2x+3=5), listas (primero, segundo…), conclusiones (por eso) y términos técnicos (costos fijos). Se llama lectura diagonal porque la mirada se mueve rápidamente de la esquina superior izquierda a la esquina inferior derecha. De este modo, es posible leer un texto muy rápido a expensas de detalles y comprensión del estilo.

¿Cómo influye el diseño en el proceso de lectura?

La meta y función del diseño editorial es guiar al lector dentro de un espacio o área limitados. El diseño editorial tradicional contiene textos, imágenes y colores. Trabajamos en la composición de estas partes guiando al lector en el proceso de entendimiento y lectura.

Hay ciertos procesos ópticos y mecánicos que debemos tomar en cuenta en el momento de diseñar una pieza editorial.

Para comenzar debemos saber el grado de experiencia de lectura que tiene nuestro grupo de lectores. Debemos también tomar en consideración la edad del grupo para elegir el grado y fuente que usaremos.

Respecto del contenido de los textos, no es lo mismo diseñar textos de novelas o de una revista de viajes o moda que diseñar para médicos o arquitectos.

En cuanto al análisis visual del contenido, hay que tener en cuenta si hay muchas imágenes, qué tipo de imágenes son, si están atadas al texto o van sueltas, etcétera.

Una vez que realizamos el análisis del material, pasaremos al próximo momento, el formato. En general, los formatos de los impresos son estándares de la industria gráfica acomodados a la maquinaria usada para imprimir. Los pliegos de papel definen la cantidad de páginas que se van a imprimir en cada paso.

Una vez que hemos establecido el formato, y tomando en cuenta el contenido, pasaremos a definir los márgenes, que son la base de nuestro proceso de lectura. En este espacio en blanco descansará nuestra visión para luego dar el salto a las distintas partes del contenido.

Direccionalidad de la lectura

Experimentos con idiomas y glifos diferentes a los idiomas occidentales han demostrado que no solo los movimientos oculares se acostumbran a la dirección de lectura, sino a todo el sistema perceptivo. Por ejemplo, si se escribe de derecha a izquierda y de arriba abajo (como en chino tradicional), no solo los movimientos sacádicos cambian sus direcciones, sino que también el umbral de visión (perceptual span) y el periodo de identificación de las palabras (word identification span) cambian sus formas.

Movimientos sacádicos

Los movimientos sacádicos son los movimientos y saltos oculares que realizamos cuando leemos. En el proceso de lectura, mediante nuestra visión y la experiencia de lectura, no leemos cada letra o palabra, sino que fijamos la visión en algunas partes de la línea de texto y descodificamos esas palabras o frases en ideas reflexivas, y así podemos entender el texto impreso.

La comprensión de este proceso ha llevado al diseño a incorporarlo dentro de la forma que se le da al texto, para ayudar al lector a mejorar el rendimiento interpretativo de la lectura. Estos movimientos son primordiales a la hora de decidir la cantidad de glifos que tendrá cada línea y el espacio entre estas. Esto depende exclusivamente de la experiencia de lectura que tenga el lector o el grupo de lectores; por ejemplo, si diseñamos un libro para niños, las líneas serán más cortas, ya que el niño no tiene la experiencia de lectura suficiente como para fijar la visión en tres puntos, mientras que, si diseñamos una novela para personas que tienen más de 20 años de experiencia en la lectura, las líneas podrán ser más largas (80-100 glifos por línea). Esto optimizará el proceso de lectura mediante los movimientos sacádicos.

Se estipula una línea de 80 glifos como óptima (para personas con experiencia de lectura), ya que el salto que realiza nuestra visión (3 o 4 saltos) de una línea a otra es corto y ayuda a encontrar la línea inferior.

Estos son algunos de los resultados en la investigación de la lectura impresa, valorada por mas de 400 años de vida.

El proceso de lectura en dispositivos electrónicos

Desde comienzos de la década de los noventa, el mundo de las publicaciones electrónicas se ha desarrollado a pasos agigantados. Actualmente, son estas publicaciones las que nos informan día a día y han pasado a ser un ente primordial en nuestra vida diaria.

¿Ha cambiado la manera de leer como consecuencia de los cambios tecnológicos?

No hay una respuesta 100% correcta a esta disyuntiva. Podemos observar que las personas mayores de 60 años tienen mucha dificultad para leer textos que requieren comprensión (como el caso de una novela), pero no denotan mayor dificultad en leer periódicos informativos en teléfonos celulares, computadoras o tabletas.

Los resultados de nuestras investigaciones nos indican que las personas dentro del espectro 17-35 años no tienen ninguna dificultad en leer artículos y lograr un alto grado de comprensión, así como también novelas en tabletas electrónicas.

No olvidemos que la lectura se desarrolla con la experiencia y que, al cambiar el formato, cambiamos nuestra manera de leer y sobre todo de navegar dentro del contenido.

Pero el diseño de ese contenido editorial no siempre fue pensado para ser leído en esos dispositivos; es recién a partir del 2000 que se investiga sobre las nuevas tecnologías y el proceso de lectura. Casi todos los diseños se hacían basados en investigaciones sobre la lectura sobre el papel, sin tener en cuenta los cambios tecnológicos. Podríamos decir que a partir del 2014 se tiene que repensar el diseño editorial en dispositivos electrónicos de lectura. Es en los teléfonos celulares inteligentes donde más se ha investigado y desarrollado; es más, hoy en día, las páginas editoriales de información contienen al menos dos diseños para pantallas de 17 o más pulgadas y para teléfonos celulares.

Como toda nueva tecnología, la industria editorial electrónica pasó por un período de experimentación e innovación continua. Hoy, 15 años después de su nacimiento, ha logrado una madurez dentro del diseño editorial que le permite una lectura casi impecable.

¿Por qué la diferencia entre el diseño editorial impreso y el electrónico?

La primera y primordial diferencia es la ausencia de formato. Hay miles de modelos de teléfonos celulares, y la cantidad sube mes a mes. La relación entre el largo y alto de la pantalla varía, dependiendo del modelo; la resolución (cantidad de píxeles por pulgada) también varía. Esto influye primordialmente en el diseño. No es lo mismo tener un encabezado de 400 píxeles que uno de 700; la cantidad de glifos que podremos mostrar varía en casi un 60%. ¿A qué tamaño vamos a mostrar las imágenes?, ¿cómo manejaremos la proporción de silencio (espacio blanco)?

Para los diseñadores sería imposible crear un diseño para cada tamaño de pantalla, tomando en cuenta que cada mes salen nuevos modelos de pantallas.

La industria editorial ha entendido este problema y ha desarrollado algo llamado diseño adaptable (responsive design). Esto significa que se han desarrollado reglas que cambian la visualización del contenido, dependiendo del dispositivo donde se lea. Un buen ejemplo de este tipo de diseño es Facebook, que muestra de manera muy diferente el contenido dependiendo del dispositivo donde se vea y tomando en consideración la cantidad de información que se entregará en cada pantalla.

La falta de formato de estos dispositivos nos hace repensar el diseño editorial. Nuestra educación y experiencia nos han enseñado las reglas de la lectura impresa y de formato fijo mientras que enfrentamos un mundo de formatos diferentes y diseños dinámicos. No quiero postular que las reglas de lectura pasaron a ser obsoletas, sino que necesitan una revisión y aggiornarse a las nuevas tecnologías, o sea un cambio de pensamiento del diseño editorial. Paradójicamente, las instituciones de enseñanza basan su grilla en el diseño editorial impreso. Generalmente dan una experiencia en diseño dinámico u ofrecen una carrera paralela.

Libros electrónicos, una nueva experiencia de lectura o la reproducción digital de lo impreso

Los libros electrónicos tienden a tomar mercado de lo que anteriormente eran publicaciones impresas.

¿Quienes leen libros electrónicos? Mayoritariamente, las personas que leen periódicamente libros en formato digital tienen entre 20 y 50 años de edad; son lectores de toda una vida y con una relación muy profunda con el libro impreso. Son profesionales.

Los dispositivos más usados para la lectura a nivel mundial son los Kindle, de Amazon, y el iPad de apple, cada uno con su propia tienda de libros.

Los dispositivos de lectura, especialmente el kindle, son de tinta electrónica y permiten una lectura amena y muy parecida a la experiencia de leer impreso en formato pocket. el iPad de Apple tiene diferentes modelos de menor y mayor tamaño y resolución; son mucho más rápidos en reaccionar, y su formato nos recuerda a un libro de tapa dura. La proporción es más cuadrada que la de kindle. Estas empresas, basándose en los estudios de mercado, han sacado modelos que quieren emular la experiencia de lectura sobre el papel, ya que sus usuarios quieren tener esa experiencia. Esto nos indica que debemos trabajar con un diseño que esté bastante cercano al impreso; debemos emular la experiencia de lectura tradicional, únicamente tenemos que armar su contenido responsive adaptable.

Tenemos otros tipo de libros electrónicos: los libros para niños y los libros con contenido multimedia. Estos dan más libertad de experimentación. Suelen ser interactivos e inmiscuyen al lector a participar de la experiencia. Este tipo de libros se producen en dos versiones: para Amazon y para Apple, ya que requieren una programación diferente para cada lector. Utilizan un formato llamado ePub de layout fijo, ya que el posicionamiento del contenido no necesita adaptarse al dispositivo.

la lectura es pura y exclusivamente una experiencia. La letra impresa lleva más de 400 años de lectura; carga con una tradición que compartimos con casi todas las otras culturas. La letra electrónica lleva apenas 15 años de vida y todavía no se ha desarrollado a fondo.

AlelunaNiod Comunicación Visual

Corrección de textos: María Martha Arce

Oswald Cooper y su Cooper Black

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Oswald Bruce Cooper (1879 – 1940).

Oswald Bruce Cooper nació el 13 de abril de 1879 fue un diseñador norte americano, diseñador gráfico, letrista y profesor.

Cooper nació en Mount Gilead – Ohio, pero se mudó a Coffeyville – Kansas, cuando era muy joven. Dejó la escuela secundaria a los diecisiete años buscando convertirse en un gran impresor. Estudió ilustración en la Escuela de Ilustración de Frank Holme, primero estudió por correspondencia y luego se mudó a Chicago para continuar du formación presencialmente. Su innata destreza, lo hizo destacar en la clase de letras impartida por Frederic Goudy y pronto se convirtió en el director del departamento de correspondencia de la escuela.

Después de la muerte de Holme en 1903, la escuela cerró debido a dificultades financieras, y Cooper se encargó de proporcionar educación por correspondencia.

En 1904, Cooper y Fred S. Bertsch formaron la firma de diseño de Bertsch & Cooper, proporcionando campañas publicitarias para cuentas como Packard Motor Car Company y Anheuser-Busch Breweries, con Cooper proporcionando letras distintivas hechas a mano lograron impulsar la firma. En 1914 Bertsch & Cooper amplió su gama de servicios, y para cuando Fred Bertsch se retiró en 1924, Bertch & Cooper empleó a más de cincuenta personas y era la empresa de producción de arte más grande del Medio Oeste en Estados Unidos.

Oswald Cooper demostró durante el tiempo que trabajó junto a Fred Bertsch un gran talento para escribir, esto hizo que muchas agencias de publicidad lo buscaran para contratar sus servicios como redactor, pero Cooper nunca aceptó y siempre escribió solo para su propia compañía.

Alto, larguirucho y casero, Cooper era un hombre tímido, evitando situaciones sociales e incluso contactos comerciales innecesarios. Los que eran cercanos a él lo llamaban “Oz”, para los demás, era “el señor Cooper”. En 1920, se casó con su prima segunda, Mary Lou Foster. No tuvieron hijos y durante el último año y medio de su vida, Cooper estuvo enfermo de cáncer y murió en Chicago en 1940. En el año 1949 fue publicada una antología de su trabajo.

La Cooper Black es una tipografía tipo display ultra-bold con serifas hecha para ser usada en anuncios publicitarios, creada por Oswald en 1919 y lanzada por la fundidora Barnhart Brothers & Spindler en 1922. Esta letra fue dibujada con un peso ultra-bold. Se convirtió rápidamente en una tipografía estándar y fue autorizada por American Type Founders y también copiada por muchos otros fabricantes de sistemas de impresión.

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Igualmente Cooper fue una tipografía que causo revuelo en la comunidad tipográfica estadounidense, inclusive fue producto de la burla de algunos de sus mas acérrimos detractores, llamada por muchos como «la amenaza negra», tal vez por su exagerado peso, su peculiar forma simpática y redondeada, la cual debió ser un aspecto muy innovador para una época donde el diseño tipográfico tenía una visión más conservadora.

Pero la letra fue muy popular entre los diseñadores gráficos de la época. Oswald la llamo «la letra para impresores con visión de futuro y clientes miopes». Su éxito fue tal, que la fundición tenía problemas para crear suficientes fuentes. Se convirtió en uno de los tipos de letra más populares que se lanzaron en Norte América en ese momento y tuvo una gran influencia en el estilo de los años 20 y 30.

Sin embargo, su gran encanto y sus simpáticas formas conquistaron al público y su uso en los anuncios publicitarios fue cada vez más frecuente. Oswald Cooper sin embargo, continuó su carrera por mucho tiempo como artista del leterring.

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Cooper sigue siendo hoy en día una de las tipografías más famosas, utilizada en infinidad de anuncios y publicaciones. Ha sido motivo de inspiración para otros diseñadores al momento de crear nuevas fuentes.

Oswald Cooper realizaría varias versiones de la misma familia, que en orden cronológico quedarían de la siguiente forma:

Cooper Oldstyle (1919), Cooper Black ™ (1920), Cooper Italic (1924), Cooper Black condensed (1925), Cooper Hilite (1925), Cooper Initials (1925), Pompeian Cursive (1927), Cooper Fullface (1928 )

Hoy en día se cataloga a la Cooper Black como una letra con gran influencia. Cooper Black se convirtió en el mayor legado de Oswald Cooper, incluso él mismo no es casi conocido y aun cuando su letra esta disponible en la mayoría de los programas de edición de texto y de diseño, muy pocos conocen sobre su vida. La mayoría de los críticos ridiculizaron la fuente al principio, pero encontrarían nuevas y aceptables vías de uso, ya que los anunciantes necesitaban algo fácil de leer y amigable. Desde Cecrea, brindamos este pequeño reconocimiento a este gran diseñador, quien sin duda impulso el estilo de letra display y el uso del lettering en la publicidad de los años 30, 40 y 50.

Pasarelas: la importancia de crear experiencias

Mediante el poder de las redes sociales, las semanas de la moda -que antes eran eventos privados y únicos del sector-, se han convertido en un momento cultural global, que atrae no solo a miembros del sector, sino también a consumidores finales.

Para conseguir público y atención mediática, la temática de los desfiles de moda se ha diversificado y ahora la experiencia del desfile va más allá de la pasarela tradicional, intentando transmitir la filosofía de marca a la vez que crea una experiencia entretenida y cautivadora que se traduce en ventas. Esta diversificación continua ha hecho que la semana de la moda sea más inclusiva y centrada en el consumidor, pero con un mercado cada vez más saturado ahora las marcas tienen más difícil crear resonancia de marca y destacar entre la multitud.

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En el informe del Council of Fashion Designers of America (CFDA) destaca a ocho diseñadores que triunfaron al generar impacto mediático activando distintas voces y experimentando con varios formatos de pasarelas e iniciativas fuera de los desfiles.

Uno de los diseñadores, Tom Ford, generó un total de 17.200.000 $ en valor de repercusión mediática en todos los canales online, sociales e impresos.  Triunfando al generar un gran cobertura en su pasarela plagada de estrellas, la firma de lujo celebró una exclusiva fiesta post-evento y lanzó su campaña de fragancia “FUCKING FABULOUS” poco después, ampliando el eco y la experiencia fuera de la pasarela, promoviendo más las menciones en los medios de comunicación y situándolas en los titulares de las principales revistas y blogs del sector de la moda.

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Mientras que la cobertura en redes sociales supone una gran cuota de impacto mediático durante la semana de la moda, los medios tradicionales aún son una poderosa fuente para generar valor mediático, contribuyendo a aproximadamente el 23%-32% del impacto mediático global durante las cuatro semanas internacionales de la moda en la última temporada. Con la ayuda de la tecnología y de las redes sociales, los editores ahora pueden conectar con sus lectores a través de nuevos medios. Junto con los blogueros y YouTubers, esta nueva era de influencers está llevando la experiencia de la pasarela directamente a su público, dándoles una sensación de inclusividad en este evento de un sector antes exclusivo.

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Otro ejemplo excelente de un diseñador que amplía la experiencia más allá de pasarelas tradicionales mientras experimenta con ideas innovadoras de los desfiles de moda es Tommy Hilfiger. Desde hace tres temporadas el diseñador sigue cuidando un entorno con buenas fotos para Instagram tanto para miembros del sector como para devotos del público al estimularlos y cautivarlos con los elementos experienciales de la marca, como puestos de artículos, actuaciones en vivo, atracciones de feria y puestos de comida. Con estos elementos divertidos y alegres, la marca consigue titulares en casi todas las principales publicaciones de medios de moda, a la vez que democratiza el sector y hace que esa exclusividad sea más accesible para los consumidores. Evidentemente, el éxito de su técnica de “míralo ahora, cómpralo ahora” vino poco después del show #TOMMYNOW en Tommy Pier. La marca consiguió un 60 % de aumento en ventas directas, un salto del 900% en tráfico del sitio web, con un 70 % de tráfico entrante de los visitantes que nunca habían navegado antes por el sitio.

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Aunque la tendencia del “see now, buy now” quizás no funcione para todos los diseñadores y las fiestas post-evento no formen parte del espíritu de la marca de algunos, queda claro que se ha notado un cambio en el tratamiento de los medios sector y los diseñadores, que se han reinventado por la globalización y la tecnología, ahora se enfrentan a nuevas dificultades apasionantes para reformular el modo en que ofrece la experiencia de la Fashion Week y cómo se acerca a las pasarelas para ajustarse mejor en esta era digital.

 

¡El email no ha muerto!

Aunque los escenarios cambien, las herramientas, como el email, se adaptan y evolucionan, renovándose y manteniendo su lugar. Es cierto que las redes sociales brindan grandes oportunidades para las relaciones con un determinado tipo de stakeholders, pero al menos por el momento, no sustituyen los valores intrínsecos del correo electrónico como se podría llegar a creer. Todo lo contrario de hecho y allí va el porqué:

  1. Un trabajador promedio invierte 14 horas semanales en gestionar su cuenta de correo laboral, según una investigación de Radicati Group. El mismo estudio también revela que, en el mundo corporativo, se envían 108.7 billones de emails al día y se estima que para el 2018 serán 140 los emails que recibirá y enviará diariamente un ejecutivo. Lo cual significa que a pesar de los nuevos medios el correo electrónico sigue y seguirá siendo una herramienta prioritaria de comunicación.
  2. Otra ventaja tiene que ver con la manera en que el correo electrónico se traduce en una herramienta de visibilidad. Un email bien diseñado con el seguimiento adecuado tiene un alto potencial para el posicionamiento en los buscadores. En este sentido, una redacción perfecta es esencial para crear contenidos interesantes que luego dirigirán a las páginas que nos interesa promover. El tráfico inducido desde el email representa entonces un incentivo tremendo para este posicionamiento.
  3. Existen ciertos datos en la gestión de la relación con los clientes que no pueden ser usados de forma tan consistente en las redes sociales. Sí, siempre se pueden crear listas en Twitter, LinkedIn y Facebook, pero lograr un enfoque tan específico como se logra con una base de datos bien segmentada a través del correo electrónico, es otra historia.
  4. El correo trabaja en conjunto con las redes sociales, al igual que las labores de social media marketing y de RR.PP. deben ir en paralelo pues se complementan no se solapan. De hecho, un buen email tendría siempre los botones a redes sociales y en casos de notas de prensa y comunicaciones más elaboradas se incluiría la opción de compartir el contenido de las mismas.
  5. El correo es la herramienta perfecta para la relación con ciertos contactos. Todos los documentos de “saber hacer” recomiendan lo mismo: usar el canal apropiado para cada grupo de Aliados. Las redes son fuertes en cuanto a relaciones con los clientes, pero si uno quiere entrar en contacto con, por ejemplo, autoridades locales, organizaciones gubernamentales, etc., definitivamente Facebook no será la mejor opción.
  6. La capacidad de respuesta de una petición hecha por correo electrónico puede ser más precisa. Ciertamente redes como Linkedin y Twitter son cada vez más usadas para construir relaciones a medio y largo plazo. Pero para la comunicación a corto plazo el correo sigue siendo la mejor opción. De hecho se estima que en 3 correos ya se lograría una respuesta-objetivo.
  7. El correo electrónico es un canal perfecto para distribuir contenidos. Si el email se hace de acuerdo a las necesidades de interacción actuales y cumple con todos los elementos, es una herramienta ideal no sólo para establecer relaciones, sino para mejorar la reputación de las marcas y generar engagement. En Augure, por ejemplo, ofrecemos una funcionalidad llamada “Content-to-people”, que permite encontrar periodistas y blogueros que han escrito antes sobre un contenido similar, lo cual por supuesto, ayuda a mejorar las estrategias de comunicación en este sentido.

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El email se reinventa

En la dinámica actual, el correo electrónico más que ir en decadencia, se repotencia y adquiere nuevas características:

  • El contenido que se comparte es interactivo. No se queda en el correo sino que se expande a los otros canales de comunicación (web, blogs, redes sociales, salas de prensa 2.0).
  • También es mucho más atractivo. Los gráficos, las imágenes impactantes y los vídeos explican mejor y con mejores resultados, los mensajes que antes eran sólo tarea de los textos. Las notas de prensa ahora son 2.0, brindando mayores posibilidades de comunicación.
  • El formato del email, se adapta a los nuevos dispositivos. Los correos han de ser diseñados y configurados para que puedan leerse satisfactoriamente desde móviles, por ejemplo, ya no como una opción sino como una necesidad. Esta infografía del 5º Barómetro Splio de aperturas de email marketing en móvil lo confirma:

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Lo que nos hace concluir que en las campañas de comunicación, lo más idóneo es conocer el potencial que ofrecen las distintas herramientas y utilizarlas según los objetivos que se persigan, y sobre todo según el perfil del destinatario al que se quiera enviar el mensaje, bien sea por redes sociales, o por supuesto por email.

Una frase de Cristina Aced, consultora de comunicación y bloguera, que comentaba en su artículo cómo hacer relaciones públicas en la era de los medios sociales, nos sirve de cierre:

No hay que obsesionarse con las herramientas, pero al mismo tiempo hemos de reconocer que son imprescindibles para pasar de la teoría a la práctica en relaciones públicas.

Mary Quant: La Reina de King´s Road

Los dulces sesentas fueron posiblemente la década más ambigua del siglo pasado. Tanto así que hoy en día no existe una opinión unánime sobre la moda durante esta época, porque fue producto de una serie de cambios, políticos, sociales y culturales fruto del Boom Natal que se produjo post guerra.

Los jóvenes se volvieron inconformistas, rebeldes y deseaban bajo cualquier precio romper con los patrones establecidos por sus padres y la mejor manera de ejecutarlo era a través de la ropa como identificador visual.

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Twiggy considerada el ideal femenino de la época

La premisa era hacer todo lo contrario a las generaciones anteriores, así que junto con unos nuevos ritmos musicales jamás escuchados, el movimiento juvenil en la tradicional Londres pronto se hizo sentir. Las populares calles Carnaby Street y King´s Road se llenaron de pequeñas boutiques.

Estas se volvieron en las favoritas de los jóvenes porque allí podían adquirir los nuevos diseños a precios asequibles. Así inició Mary Quant vendiendo vestidos sencillos de confección propia, destacándose del resto por tener la sensibilidad de transmitir con sus creaciones todo lo que estaba ocurriendo.

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Mary Quant en sus primeros años como diseñadora

Tomó como símbolo una flor que llegó a convertirse en el espíritu de una generación. Impuso los cortes de cabello geométricos que junto a  Vidal Sassoon liberaron a las mujeres de los  rulos y peinados armados.

Desarrolló vestidos rectos, cortos con atrevidos estampados de colores vivos que combinaba con medias pantis en tonos fuertes (lo opuesto al New Look de Dior).

Todo con aires futuristas, fue la primera que hizo abrigos y botas con PVC . Bandoleras con largas correas diseñando su propio estilo (palabra nueva para ese entonces)

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Mary Quant con Vidal Sassoon y su famoso corte de 5 puntas

Mary se atrevió como ninguna otra a subirle el ruedo a las faldas algo que le trajo muchas polémicas en primer lugar por las opiniones de los más conservadores y en segundo lugar porque aunque muchos la consideran creadora de la “Mini Falda” el diseñador André Courréges se abdico tal título.

Durante largo tiempo se ha cuestionado quien fue el verdadero artífice de tan maravillosa creación, pero los libros de la moda han resuelto de manera salomónica esta disputa de la siguiente manera:  “Courréges inventó la mini falda pero Mary Quant fue quien la hizo popular”

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Mary Quant “El mini cooper” combinaba perfecto con la minifalda, hacía todo lo que uno quería, se veía genial, era optimista, exuberante, joven, coqueto… todo en su justa medida”

Y a medida que cada vez las faldas se hacían más cortas la carrera de esta diseñadora se expandía por su estilo único, alegre y sobre todo lleno de un espíritu joven que emanaba progreso. Convirtiéndose en un impero internacional pues comenzó a desarrollar lineas de accesorios y maquillaje, que aún hoy en día siguen siendo un éxito.

Actualmente, cuando se hace referencia a iconos de la moda inmediatamente pasa por nuestra mente todo el trabajo que desarrolló Mary Quant considerada como la madre de la estética POP,  que marcó un antes y un después en la historia.

El Genio de la Moda: Yves Saint Laurent

Pocas personas llegan a la cúspide de su carrera a tan corta edad, algunos lo hacen luego de muchos años otros quizás nunca logran ver éxito. Ser un genio implica desarrollar de manera prácticamente instintiva talentos con los que definitivamente se nacen.

Yves Saint Laurent tiene dos matices bien definidos en su existencia su vida personal (de la cual se podrían escribir miles de novelas) y todo lo que concierne a sus logros profesionales que resultan prácticamente imposible enumerarlos.

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Yves Saint Laurent llegó a producir 200 diseños por colección 

Nace en el seno de una familia acomodada, desde muy pequeño tuvo inclinación hacia la moda a los 17 años gana un concurso de dibujo organizado por Internacional Wool Secretariat e inmediatamente comienza a trabajar en Dior, destacándose en todo momento a tal punto llegando a superar a su propio maestro en varias ocasiones.

Sin embargo, cuando tenía tan solo 21 años fallece el fundador de esta casa de moda quedando a cargo del joven Yves que con un espiritual creativo y tenaz debe asumir la  enorme responsabilidad darle continuidad a un legado considerado parte importante de la economía de Francesa.

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Momentos antes del primer desfile de YSL para la Casa Dior

Resulta poco probable hoy en día imaginar el escándalo que este nombramiento causó en los medios especializados, sin embargo no decepcionó a nadie más bien todo lo contrario cautivó al mundo entero con cada uno de sus diseños. La crónica del International Herald Tribune resumía la jornada como “el atracón de moda más emocionante que se haya visto desde hace mucho tiempo”

Pero a pesar de este rotundo éxito debe partir al poco tiempo a cumplir el servicio militar, iniciando uno de los momentos más tórridos de su vida, al parecer sufrió de agresiones por su homosexualidad ocasionándole una crisis nerviosa por la cual fue necesario darle de baja y ser internado en un psiquiátrico; que para ese entonces utilizaban tratamientos muy rudimentarios como electrochoques y drogas (causándoles una dependencia de por vida)

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Fachada de su primera casa de moda llamada Saint Laurent (sin Yves)

Para ese entonces ya era pareja del extraordinario hombre de negocios Pierre Bergé quien al recibirlo en casa debe darle la mala noticia: Marcel Boussac propietario mayoritario de Dior decidió prescindir de su contrato sin razón aparente. Iniciando de esta manera una batalla legal por daños y perjuicios.

Dicha controversia se resuelve a favor de la pareja y se acuerda cancelar 100.000,oo francos una cantidad bastante respetable que les permitió abrir su primera tienda. Aquí es cuando se desarrolla toda la capacidad creativa de YSL llegando a decir “Dior es el Ritz yo soy la calle”, algo que supo hacer de manera increíble pues fue el primer diseñador que se atrevió a incluir en sus colecciones pret a porter  pantalones de denim.

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YSL desarrolló piezas urbanas para la vida diaria de la mujer

A parte de las lineas tradicionales (pret a porter y alta costura) creó una tercera de productos económicos, haciendo crecer su negocio de manera sorprendente. Sus colecciones iban de lo retro a lo ecléctico, sus conjuntos safaris fueron adoptados por todas las mujeres haciéndolos sus favoritos. Se inspiro en las obras de grandes artistas representándolos de forma magistral en cada uno de sus diseños.

Sin embargo existe una pieza que le caracteriza (tal como lo hizo Chanel con su famosa chaqueta de tweed) el “Smoking Femenino” convirtiéndolo en una prenda llena de sensualidad que hasta el día de hoy se considera vanguardista.

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El famoso vestido inspirado en la obra del magnifico artista Mondrian 

Yves Saint Laurent fue el primer diseñador vivo que el Metropolitan Museum of Art de New York dedicó una retrospectiva (1983/1984). Con apenas 50 años recibió todos los premios que esta industria puede otorgar, catalogándolo como el mayor exponente de la moda contemporánea.

El mundo entero lloró cuando el 1 de Junio del 2008 murió en su vivienda parisina a causa de un tumor cerebral. Todos los expertos coinciden en las palabras de Diana Vreeland la inolvidable editora de Vogue USA ” Coco Chanel y Christian Dior fueron gigantes, pero Saint Laurent es un genio”.

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YSL en su último desfile haciéndole un tributo a su Smoking Femenino y junto a una de sus musas Catherine Deneuve