Revista Signo

5 Cosas que debes saber sobre la Moda

La moda por más que nos guste siempre tiene ciertos términos que  tienden a confundirnos y en algunas ocasiones a emplear mal conceptos vinculados al sector. Es increíble pero cada día con la velocidad del Internet es necesario estar más informados que nunca, algo que debe ser fundamental por trabajar en un campo que se debate entre la inmediatez y los fenómenos digitales.

Así que nos dimos la tarea de investigar y te dejamos las respuestas a 5 interrogantes sobre la industria de la moda, que quizás en algún momento te has hecho.

¿Qué es la Moda?

La moda es más que simple ropa, el hecho de vestirnos nos diferencia de los animales.  Este es un concepto mucho más amplio de lo que pensamos, está vinculada directamente con normas sociales, con el tiempo y con una localidad determinada. Solo un gran número de personas es capaz de determinar que está de moda y que no;  para que algo lo este debe ser asumida por el gusto colectivo.

Por otra parte, la moda no solo respecta a la ropa, el calzado y los accesorios, es quizás uno de sus ámbitos más conocidos. Pero todo pasa por el ciclo de la moda desde los géneros literarios, las recetas de cocina, la tecnología, la música, el arte, modismos al hablar, el uso de ciertas palabras, cualquier elemento que forme parte de la vida humana, cumple su vigencia y luego desaparece.

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Se consideran que de una u otra forma reglamentan las conductas sociales durante un tiempo determinado, establecen que se puede usar o no en una época según los gustos colectivos.

Tienen un carácter efímero tienen corta duración y en la mayoría de los casos sus fines son mayormente estéticos que funcionales.

Son dinámicas ya que nunca se detienen las modas, cambian constantemente, se renuevan y en muchos casos se transforman en todo lo contrario, jamás son estáticas pues perderían el carácter de crear novedades que tanto atraen a los seres humanos.

No tienen normas, pues no llevan una secuencia clara ni lógica lo que hace complicado poder predecirlas.  Al estar involucrada una gran masa de críticos quienes tendrán a su cargo definir que será adoptado respecta a muchos factores exteriores, anteriormente nombrados. Es imposible determinar una fórmula exacta para conocer lo que vendrá.

Se dice que la moda nació en el siglo XV cuando las túnicas pasaron a ser vestidos con mangas, cuellos y detalles. Eso es precisamente moda lo demás es indumentaria.

¿Por qué se considera que la moda es la industria del deseo?

La moda se ha convertido en una expresión individual de la estética, posterior a la segunda guerra mundial cuando se generaron cambios importantes en las formas de consumo debido al fenómeno conocido como Baby Boom, ese creciente índice de natalidad y proliferación de la población juvenil. Por consiguiente el surgimiento de la cultura en masas, que creó un sistema de valores en el que la novedad impera en todo momento.

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Entonces podemos decir que la moda es un conjunto de valores en los que predominan la estética (lo bello), la individualidad (me visto para representar lo que soy) y de novedades (ya no me gusta lo que compre quiero lo nuevo que estoy viendo)

¿Cuáles son los principales Stakeholders de la industria de la moda?

Los grupos de interés en la moda son el eje fundamental para el éxito de una empresa dedicada a este sector, la equilibrada relación con cada uno de ellos da pie a mantener relaciones sostenibles en el tiempo.

Accionistas: Propietarios de las diversas, fabricas, talleres, marcas, tiendas, establecimientos. Pueden estar integrados por un grupo pequeño de personas o por multi empresas conocidas también como consorcios financieros.

  • Empleados: Son quienes laboran en las empresas de moda, normalmente se encuentran altamente comprometidos con los valores de estas. A su vez son quienes ejercen funciones en el desarrollo de esos productos o servicios cuyo destino es el consumidor final.
  • Consumidores/clientes: Son quienes adquieren los productos o servicios en el sector moda y para quienes se crean diversas estrategias de comunicación. Lograr una relación cercana y continua con ellos, basada en la transparencia, será clave para el futuro de las compañías.
  • Proveedores: Son aquellos que suministran insumos para la generación de productos normalmente vinculados al área de hilaturas de textiles. Sin embargo también existen proveedores de servicios como es el caso del marketing, la publicidad, fotografía o manejo de redes sociales.
  • Medios de comunicación: Existen los medios tradicionales como las revistas especializadas, canales de Tv y emisoras de radio. Sin embargo con la aparición de las nuevas tecnologías, el uso de redes sociales y de otros actores como los bloggers, los instagramers o los youtubers hace que exista un replanteamiento stakeholders en este sector, pues es uno de los de mayor importancia.
  • Administraciones Públicas y órganos gubernamentales: Quienes se encargan de la regulación social y jurídica de la relación entre los diversos stakeholders. Muchos han sido los temas tratados al respecto pues existe la constante discusión de su intervención dentro de la producción de moda como es el caso de Francia o simplemente como un observador que garantice la equidad y promueva la integración caso Colombia

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El compromiso con los stakeholders (o grupos de interés) es un requisito fundamental para el éxito de las empresas del sector de la moda. La creación de valor para todos aquellos implicados en el funcionamiento de la compañía es fundamental para crear un objetivo común y afrontar los complejos problemas y retos a los que nos enfrentamos. Afortunadamente, en la actualidad, las empresas del sector cuentan con stakeholders muy concienciados con el impacto de la industria de la moda en el medioambiente, la economía y el conjunto de la sociedad

Cada empresa debe, a la luz de su enfoque y el subsector de la industria de la moda al que pertenece (textil, calzado, accesorios, marroquinería, cosmética, etc.), identificar, a través de un análisis minucioso, los principales stakeholders implicados en la organización, pues de ellos dependerá en gran parte la innovación en el modelo de negocios que actualmente es una de las premisas en la industria de la moda.

¿Que es el fenómeno de la democratización de la moda y el fashion retail?

Para entender este fenómeno debemos ir al pasado a mediados de la década de los años 50´s y el declive de la Alta costura con sus trajes hechos a la medida. Muchos talleres en París no resistieron la fuerte competencia que desde Londres y New York venían ejerciendo jóvenes diseñadores. Por lo que buscaron nuevas opciones de negocios para sobrevivir, ser competitivos y no cerrar sus casas de moda.

Dando nacimiento al conocido pret a porter, ropa confeccionada en masas, con diversas tallas, elaboradas con materiales más económicos y accesibles a un mayor número de personas.  Así mismo el crecimiento  de fábricas en Estados Unidos especializadas en ropa Utility terminó de abrir el abanico de opciones para quienes desearan vestirse a la última moda.

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Igualmente se establecieron los estilos y códigos de indumentaria, generando un cambio radical en las personas, quienes ya no se visten para demostrar pertenecen a una clase social (como ocurría en el siglo VXIII) todo lo contrario ahora nos vestimos para demostrar a que tribu urbana pertenecemos.

En la actualidad somos capaces de decidir que usar, como combinarlo y cuál es la mejor manera de llévalo, la indumentaria pasó a tener un rol primordial en nuestras vidas, es la mejor forma de comunicarnos al mundo, la moda es democrática porque nos incluye a todos y todos participamos de ella.

El retail emerge por la necesidad de  los consumidores que cada día son más exigentes, buscan la experiencia en cada producto, identificarse con las marcas, conseguir lo que desean y sentir afinidad.

Más allá de la indumentaria ¿Qué son las tendencias?

Las tendencias nacen junto con la modernidad, son la consecuencia de los grandes cambios observados desde finales del siglo XVIII en los ámbitos económicos, tecnológicos y sociológicos.

Las podemos definir tomando la célebre frase de la maravillosa Coco Chanel “La moda es todo aquello que pasa de moda” es por ello que las tendencias son la antesala de la moda.

Es un ciclo que produce un comportamiento adoptado temporalmente por un grupo social que lo percibe como apropiado para la época y la  situación.

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Comienzan como hechos efímeros y puntuales que poco a poco llegan a popularizase y volverse moda, al ser asumidos por una gran masa crítica de consumidores.

La predicción de tendencias es utilizada por tanto por los compradores como diseñadores, en apoyo de la producción y la compra de lo que se prevé será tendencia generalizada en temporadas venideras.

Sin previsiones  cuidadosamente planificadas sobre colores, tejidos y cortes, los minoristas probablemente perderían dinero pues no se venderían.

Todos estos temas son mucho más complejos y fascinantes pues involucran a la sociedad con la moda que juntas crean una de las industrias más poderosas del mundo.

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Pasarelas: la importancia de crear experiencias

Mediante el poder de las redes sociales, las semanas de la moda -que antes eran eventos privados y únicos del sector-, se han convertido en un momento cultural global, que atrae no solo a miembros del sector, sino también a consumidores finales.

Para conseguir público y atención mediática, la temática de los desfiles de moda se ha diversificado y ahora la experiencia del desfile va más allá de la pasarela tradicional, intentando transmitir la filosofía de marca a la vez que crea una experiencia entretenida y cautivadora que se traduce en ventas. Esta diversificación continua ha hecho que la semana de la moda sea más inclusiva y centrada en el consumidor, pero con un mercado cada vez más saturado ahora las marcas tienen más difícil crear resonancia de marca y destacar entre la multitud.

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En el informe del Council of Fashion Designers of America (CFDA) destaca a ocho diseñadores que triunfaron al generar impacto mediático activando distintas voces y experimentando con varios formatos de pasarelas e iniciativas fuera de los desfiles.

Uno de los diseñadores, Tom Ford, generó un total de 17.200.000 $ en valor de repercusión mediática en todos los canales online, sociales e impresos.  Triunfando al generar un gran cobertura en su pasarela plagada de estrellas, la firma de lujo celebró una exclusiva fiesta post-evento y lanzó su campaña de fragancia “FUCKING FABULOUS” poco después, ampliando el eco y la experiencia fuera de la pasarela, promoviendo más las menciones en los medios de comunicación y situándolas en los titulares de las principales revistas y blogs del sector de la moda.

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Mientras que la cobertura en redes sociales supone una gran cuota de impacto mediático durante la semana de la moda, los medios tradicionales aún son una poderosa fuente para generar valor mediático, contribuyendo a aproximadamente el 23%-32% del impacto mediático global durante las cuatro semanas internacionales de la moda en la última temporada. Con la ayuda de la tecnología y de las redes sociales, los editores ahora pueden conectar con sus lectores a través de nuevos medios. Junto con los blogueros y YouTubers, esta nueva era de influencers está llevando la experiencia de la pasarela directamente a su público, dándoles una sensación de inclusividad en este evento de un sector antes exclusivo.

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Otro ejemplo excelente de un diseñador que amplía la experiencia más allá de pasarelas tradicionales mientras experimenta con ideas innovadoras de los desfiles de moda es Tommy Hilfiger. Desde hace tres temporadas el diseñador sigue cuidando un entorno con buenas fotos para Instagram tanto para miembros del sector como para devotos del público al estimularlos y cautivarlos con los elementos experienciales de la marca, como puestos de artículos, actuaciones en vivo, atracciones de feria y puestos de comida. Con estos elementos divertidos y alegres, la marca consigue titulares en casi todas las principales publicaciones de medios de moda, a la vez que democratiza el sector y hace que esa exclusividad sea más accesible para los consumidores. Evidentemente, el éxito de su técnica de “míralo ahora, cómpralo ahora” vino poco después del show #TOMMYNOW en Tommy Pier. La marca consiguió un 60 % de aumento en ventas directas, un salto del 900% en tráfico del sitio web, con un 70 % de tráfico entrante de los visitantes que nunca habían navegado antes por el sitio.

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Aunque la tendencia del “see now, buy now” quizás no funcione para todos los diseñadores y las fiestas post-evento no formen parte del espíritu de la marca de algunos, queda claro que se ha notado un cambio en el tratamiento de los medios sector y los diseñadores, que se han reinventado por la globalización y la tecnología, ahora se enfrentan a nuevas dificultades apasionantes para reformular el modo en que ofrece la experiencia de la Fashion Week y cómo se acerca a las pasarelas para ajustarse mejor en esta era digital.

 

¡El email no ha muerto!

Aunque los escenarios cambien, las herramientas, como el email, se adaptan y evolucionan, renovándose y manteniendo su lugar. Es cierto que las redes sociales brindan grandes oportunidades para las relaciones con un determinado tipo de stakeholders, pero al menos por el momento, no sustituyen los valores intrínsecos del correo electrónico como se podría llegar a creer. Todo lo contrario de hecho y allí va el porqué:

  1. Un trabajador promedio invierte 14 horas semanales en gestionar su cuenta de correo laboral, según una investigación de Radicati Group. El mismo estudio también revela que, en el mundo corporativo, se envían 108.7 billones de emails al día y se estima que para el 2018 serán 140 los emails que recibirá y enviará diariamente un ejecutivo. Lo cual significa que a pesar de los nuevos medios el correo electrónico sigue y seguirá siendo una herramienta prioritaria de comunicación.
  2. Otra ventaja tiene que ver con la manera en que el correo electrónico se traduce en una herramienta de visibilidad. Un email bien diseñado con el seguimiento adecuado tiene un alto potencial para el posicionamiento en los buscadores. En este sentido, una redacción perfecta es esencial para crear contenidos interesantes que luego dirigirán a las páginas que nos interesa promover. El tráfico inducido desde el email representa entonces un incentivo tremendo para este posicionamiento.
  3. Existen ciertos datos en la gestión de la relación con los clientes que no pueden ser usados de forma tan consistente en las redes sociales. Sí, siempre se pueden crear listas en Twitter, LinkedIn y Facebook, pero lograr un enfoque tan específico como se logra con una base de datos bien segmentada a través del correo electrónico, es otra historia.
  4. El correo trabaja en conjunto con las redes sociales, al igual que las labores de social media marketing y de RR.PP. deben ir en paralelo pues se complementan no se solapan. De hecho, un buen email tendría siempre los botones a redes sociales y en casos de notas de prensa y comunicaciones más elaboradas se incluiría la opción de compartir el contenido de las mismas.
  5. El correo es la herramienta perfecta para la relación con ciertos contactos. Todos los documentos de “saber hacer” recomiendan lo mismo: usar el canal apropiado para cada grupo de Aliados. Las redes son fuertes en cuanto a relaciones con los clientes, pero si uno quiere entrar en contacto con, por ejemplo, autoridades locales, organizaciones gubernamentales, etc., definitivamente Facebook no será la mejor opción.
  6. La capacidad de respuesta de una petición hecha por correo electrónico puede ser más precisa. Ciertamente redes como Linkedin y Twitter son cada vez más usadas para construir relaciones a medio y largo plazo. Pero para la comunicación a corto plazo el correo sigue siendo la mejor opción. De hecho se estima que en 3 correos ya se lograría una respuesta-objetivo.
  7. El correo electrónico es un canal perfecto para distribuir contenidos. Si el email se hace de acuerdo a las necesidades de interacción actuales y cumple con todos los elementos, es una herramienta ideal no sólo para establecer relaciones, sino para mejorar la reputación de las marcas y generar engagement. En Augure, por ejemplo, ofrecemos una funcionalidad llamada “Content-to-people”, que permite encontrar periodistas y blogueros que han escrito antes sobre un contenido similar, lo cual por supuesto, ayuda a mejorar las estrategias de comunicación en este sentido.

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El email se reinventa

En la dinámica actual, el correo electrónico más que ir en decadencia, se repotencia y adquiere nuevas características:

  • El contenido que se comparte es interactivo. No se queda en el correo sino que se expande a los otros canales de comunicación (web, blogs, redes sociales, salas de prensa 2.0).
  • También es mucho más atractivo. Los gráficos, las imágenes impactantes y los vídeos explican mejor y con mejores resultados, los mensajes que antes eran sólo tarea de los textos. Las notas de prensa ahora son 2.0, brindando mayores posibilidades de comunicación.
  • El formato del email, se adapta a los nuevos dispositivos. Los correos han de ser diseñados y configurados para que puedan leerse satisfactoriamente desde móviles, por ejemplo, ya no como una opción sino como una necesidad. Esta infografía del 5º Barómetro Splio de aperturas de email marketing en móvil lo confirma:

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Lo que nos hace concluir que en las campañas de comunicación, lo más idóneo es conocer el potencial que ofrecen las distintas herramientas y utilizarlas según los objetivos que se persigan, y sobre todo según el perfil del destinatario al que se quiera enviar el mensaje, bien sea por redes sociales, o por supuesto por email.

Una frase de Cristina Aced, consultora de comunicación y bloguera, que comentaba en su artículo cómo hacer relaciones públicas en la era de los medios sociales, nos sirve de cierre:

No hay que obsesionarse con las herramientas, pero al mismo tiempo hemos de reconocer que son imprescindibles para pasar de la teoría a la práctica en relaciones públicas.

Mary Quant: La Reina de King´s Road

Los dulces sesentas fueron posiblemente la década más ambigua del siglo pasado. Tanto así que hoy en día no existe una opinión unánime sobre la moda durante esta época, porque fue producto de una serie de cambios, políticos, sociales y culturales fruto del Boom Natal que se produjo post guerra.

Los jóvenes se volvieron inconformistas, rebeldes y deseaban bajo cualquier precio romper con los patrones establecidos por sus padres y la mejor manera de ejecutarlo era a través de la ropa como identificador visual.

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Twiggy considerada el ideal femenino de la época

La premisa era hacer todo lo contrario a las generaciones anteriores, así que junto con unos nuevos ritmos musicales jamás escuchados, el movimiento juvenil en la tradicional Londres pronto se hizo sentir. Las populares calles Carnaby Street y King´s Road se llenaron de pequeñas boutiques.

Estas se volvieron en las favoritas de los jóvenes porque allí podían adquirir los nuevos diseños a precios asequibles. Así inició Mary Quant vendiendo vestidos sencillos de confección propia, destacándose del resto por tener la sensibilidad de transmitir con sus creaciones todo lo que estaba ocurriendo.

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Mary Quant en sus primeros años como diseñadora

Tomó como símbolo una flor que llegó a convertirse en el espíritu de una generación. Impuso los cortes de cabello geométricos que junto a  Vidal Sassoon liberaron a las mujeres de los  rulos y peinados armados.

Desarrolló vestidos rectos, cortos con atrevidos estampados de colores vivos que combinaba con medias pantis en tonos fuertes (lo opuesto al New Look de Dior).

Todo con aires futuristas, fue la primera que hizo abrigos y botas con PVC . Bandoleras con largas correas diseñando su propio estilo (palabra nueva para ese entonces)

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Mary Quant con Vidal Sassoon y su famoso corte de 5 puntas

Mary se atrevió como ninguna otra a subirle el ruedo a las faldas algo que le trajo muchas polémicas en primer lugar por las opiniones de los más conservadores y en segundo lugar porque aunque muchos la consideran creadora de la “Mini Falda” el diseñador André Courréges se abdico tal título.

Durante largo tiempo se ha cuestionado quien fue el verdadero artífice de tan maravillosa creación, pero los libros de la moda han resuelto de manera salomónica esta disputa de la siguiente manera:  “Courréges inventó la mini falda pero Mary Quant fue quien la hizo popular”

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Mary Quant “El mini combinaba perfecto con la minifalda, hacía todo lo que uno quería, se veía genial, era optimista, exuberante, joven, coqueto… todo en su justa medida”

Y a medida que cada vez las faldas se hacían más cortas la carrera de esta diseñadora se expandía por su estilo único, alegre y sobre todo lleno de un espíritu joven que emanaba progreso. Convirtiéndose en un impero internacional pues comenzó a desarrollar lineas de accesorios y maquillaje, que aún hoy en día siguen siendo un éxito.

Actualmente, cuando se hace referencia a iconos de la moda inmediatamente pasa por nuestra mente todo el trabajo que desarrolló Mary Quant considerada como la madre de la estética POP,  que marcó un antes y un después en la historia.

El Genio de la Moda: Yves Saint Laurent

Pocas personas llegan a la cúspide de su carrera a tan corta edad, algunos lo hacen luego de muchos años otros quizás nunca logran ver éxito. Ser un genio implica desarrollar de manera prácticamente instintiva talentos con los que definitivamente se nacen.

Yves Saint Laurent tiene dos matices bien definidos en su existencia su vida personal (de la cual se podrían escribir miles de novelas) y todo lo que concierne a sus logros profesionales que resultan prácticamente imposible enumerarlos.

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Yves Saint Laurent llegó a producir 200 diseños por colección 

Nace en el seno de una familia acomodada, desde muy pequeño tuvo inclinación hacia la moda a los 17 años gana un concurso de dibujo organizado por Internacional Wool Secretariat e inmediatamente comienza a trabajar en Dior, destacándose en todo momento a tal punto llegando a superar a su propio maestro en varias ocasiones.

Sin embargo, cuando tenía tan solo 21 años fallece el fundador de esta casa de moda quedando a cargo del joven Yves que con un espiritual creativo y tenaz debe asumir la  enorme responsabilidad darle continuidad a un legado considerado parte importante de la economía de Francesa.

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Momentos antes del primer desfile de YSL para la Casa Dior

Resulta poco probable hoy en día imaginar el escándalo que este nombramiento causó en los medios especializados, sin embargo no decepcionó a nadie más bien todo lo contrario cautivó al mundo entero con cada uno de sus diseños. La crónica del International Herald Tribune resumía la jornada como “el atracón de moda más emocionante que se haya visto desde hace mucho tiempo”

Pero a pesar de este rotundo éxito debe partir al poco tiempo a cumplir el servicio militar, iniciando uno de los momentos más tórridos de su vida, al parecer sufrió de agresiones por su homosexualidad ocasionándole una crisis nerviosa por la cual fue necesario darle de baja y ser internado en un psiquiátrico; que para ese entonces utilizaban tratamientos muy rudimentarios como electrochoques y drogas (causándoles una dependencia de por vida)

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Fachada de su primera casa de moda llamada Saint Laurent (sin Yves)

Para ese entonces ya era pareja del extraordinario hombre de negocios Pierre Bergé quien al recibirlo en casa debe darle la mala noticia: Marcel Boussac propietario mayoritario de Dior decidió prescindir de su contrato sin razón aparente. Iniciando de esta manera una batalla legal por daños y perjuicios.

Dicha controversia se resuelve a favor de la pareja y se acuerda cancelar 100.000,oo francos una cantidad bastante respetable que les permitió abrir su primera tienda. Aquí es cuando se desarrolla toda la capacidad creativa de YSL llegando a decir “Dior es el Ritz yo soy la calle”, algo que supo hacer de manera increíble pues fue el primer diseñador que se atrevió a incluir en sus colecciones pret a porter  pantalones de denim.

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YSL desarrolló piezas urbanas para la vida diaria de la mujer

A parte de las lineas tradicionales (pret a porter y alta costura) creó una tercera de productos económicos, haciendo crecer su negocio de manera sorprendente. Sus colecciones iban de lo retro a lo ecléctico, sus conjuntos safaris fueron adoptados por todas las mujeres haciéndolos sus favoritos. Se inspiro en las obras de grandes artistas representándolos de forma magistral en cada uno de sus diseños.

Sin embargo existe una pieza que le caracteriza (tal como lo hizo Chanel con su famosa chaqueta de tweed) el “Smoking Femenino” convirtiéndolo en una prenda llena de sensualidad que hasta el día de hoy se considera vanguardista.

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El famoso vestido inspirado en la obra del magnifico artista Mondrian 

Yves Saint Laurent fue el primer diseñador vivo que el Metropolitan Museum of Art de New York dedicó una retrospectiva (1983/1984). Con apenas 50 años recibió todos los premios que esta industria puede otorgar, catalogándolo como el mayor exponente de la moda contemporánea.

El mundo entero lloró cuando el 1 de Junio del 2008 murió en su vivienda parisina a causa de un tumor cerebral. Todos los expertos coinciden en las palabras de Diana Vreeland la inolvidable editora de Vogue USA ” Coco Chanel y Christian Dior fueron gigantes, pero Saint Laurent es un genio”.

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YSL en su último desfile haciéndole un tributo a su Smoking Femenino y junto a una de sus musas Catherine Deneuve  

¿Conoces a Herb Lubalin ?

Herb Lubalin, fue un diseñador gráfico que se destacó por su sensibilidad hacia la tipografía y su potencial comunicacional a través de las formas. Desde muy temprana edad, a pesar de ser daltónico, mostró fascinación por el mundo del diseño gráfico. Su carrera estuvo ligada a proyectos editoriales que impulsaban sus ideas liberales en el campo político y fue un duro crítico al gobierno de los Estados Unidos.

Conocido como “The King of  Typography”, Lubalin dejó un legado tipográfico tremendo, su contribución al desarrollo del diseño moderno, es indudable y siempre estará presente, por su gran capacidad compositiva .

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Herbert F. “Herb” Lubalin, nació en Nueva York un 17 de marzo del año 1918. Ingresó a Cooper Unión a la edad de dieciséis años y rápidamente quedó fascinado por las posibilidades que representaba la tipografía como instrumento comunicativo. Una vez graduado en el año 1939, se enfrentó con dificultades para encontrar trabajo, hasta que ingresa  en Reiss Advertising donde se quedaría por varios años.

Posteriormente, inició en Sudler & Hennessey, donde trabajó por 19 años, aquí desarrolló sus habilidades como tipógrafo, atrayendo una gran variedad de talentos del diseño, tipográficos y fotográficos que incluyeron a George Lois, Art Kane y John Pistilli.

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Pistilli Roman fue el primer tipo de letra que desarrolló Lubalin en el año 1964, que más tarde compuso las marcas comerciales de la Metropolitan Opera, la Filarmónica de Nueva York y el Lincoln Center desde finales de los años sesenta hasta los ochenta.

Deja de trabajar en Sudler & Hennessey, para comenzar con su propia firma, Herb Lubalin, Inc en 1964. Colaboró con Ralph Ginzburg en tres de las revistas de Ginzburg: Eros, Fact y Avant Garde, fue responsable de la belleza visual de estas publicaciones. Diseñó la ITC Avant Garde, para la revista homónima, esta fuente podría describirse como una reproducción inspirada en el art-deco y se ve en logotipos creados en los años 1990 y 2000.

Avant Garde,  como ya habíamos mencionado anteriormente fue una famosa revista puesta en marcha por Herb Lubalin junto con el editor Ralph Ginzburg y, si bien su tiraje fue modesto, el magazine pronto se hizo extremadamente popular en ciertos círculos, incluidos los directores de publicidad y arte editorial de Nueva York. La razón era simple, en sus páginas se trataban temas de alta carga sexual y críticas al gobierno estadounidense. En Avant Garde todo era lícito, no había problema en usar un lenguaje vulgar e imágenes impactantes de artistas e ilustradores que ponían de manifiesto  su rebelión contra el sistema establecido.

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El primer número de Avant Garde se publicó en  1968 y el magazine estuvo saliendo a la calle mensualmente hasta julio de 1971.  Así con tan solo 14 números publicados, su nacimiento supuso un antes y un después en el mundo editorial. Todavía hoy en día, la revista es considerada como un símbolo de contracultura y vanguardia editorial.

Ginzburg sería posteriormente condenado y encarcelado acusado por haber violado un estatuto federal que regulaba la obscenidad en la publicidad en su anterior proyecto editorial Eros, no tuvo miedo en saltarse el establishment estadounidense y seguir su camino.

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En relación al logo de la Revista, Ginzburg en su afán de ayudar a Lubalin a desarrollar el esquema de diseño, le envió un largo resumen editorial. Posteriormente Ginzburg comentaría que a Lubalin “se le ocurrieron dos logotipos bellísimos, pero todos estaban equivocados para la publicación que tenía en mente”. Uno se basaba en el tipo de letra utilizado en las antiguas botellas originales de Coca-Cola, otro en caracteres hebreos. “Herb y yo siempre habíamos estado en la misma frecuencia creativa, el concepto de Avant Garde fue la única excepción. Él simplemente no podía conseguirlo”.

Ginzburg, en vista de esta situación, hizo que su esposa Shoshana, visitara a Lubalin en su estudio para explicarle el concepto de la revista por última vez. “Le pedí que imaginara un aeropuerto europeo moderno y limpio – o la terminal TWA –, con letreros en blanco y negro. Luego le dije que imaginará un avión despegando hacia el futuro. Usé mi mano para describir una diagonal ascendente del avión que sube hacia el cielo. Él me hizo repetir eso varias veces. Le expliqué que los logotipos que había ofrecido para este proyecto, hasta ahora, podían haber estado en cualquier revista, pero que Avant Garde , por su mismo nombre era algo que nadie debía haber visto antes”.

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Para su solución histórica, Lubalin adaptó las capitulares góticas – algo entre Futura y Helvética – y ángulo la “A” y la “V” para que encajaran juntas como una porción de pastel. Se partió la “T”, de modo que la mitad fuera parte de “N”.  La “G” perfectamente redonda, grabada en la angular “A”, que superpuso la mitad del trazo. Y la segunda “A” en la Avant era una extensión inclinada de la “A” de Garde. Ambas palabras estaban espaciadas con letras para estar perfectamente apiladas, así podrían caber como bloque en cualquier parte de la cubierta.

Avant Garde tenía una circulación modesta, pero extremadamente popular en ciertos círculos, el artífice del éxito de la revista fue Herb Lubalin, definitivamente un Gurú del diseño moderno. En su origen la tipografía Avant Garde estaba destinada principlamente para su uso en logotipos y no como tipo de letra comercial. De hecho la primera versión consistía únicamente en 26 mayúsculas.

Herb Lubalin pasó sus últimos años trabajando junto a Aaron Burns y Ed Rondthaler para fundar una empresa de creación de tipografía internacional llamada ITC (International Typeface Corporation, creada en 1970) de cuya revista U&lc (Upper and Lower Case) fue director artístico. En 1971, ITC lanzó una selección de fuentes entre las que destacaba Avant Garde.

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En 1972 empieza a enseñar en la Cornell University y de 1976 a 1981 en la Cooper Unión en New York. Impartió numerosas conferencias en escuelas de Estados Unidos, Europa, Canadá, América del Sur y Japón.

En 1977 como reconocimiento a su aporte al diseño, fue incluido en el New York Art Directors Club Hall of Fame.

Entre sus numerosos premios destacan siete medallas de oro del Art Directors Club, Director Artístico del año de la Asociación Nacional de Directores de Arte, un Clio, dos premio de The Cooper Union, Augustus St. Gaudens Medal y el Premio al Logro Profesional.

Diseñó las fuentes Pistilli Roman en 1964, L&C Hairline en 1966, ITC Avant Garde Gothic, Busurama, ITC Didi, ITC Fat Face, LSC Condensed y Tonda en 1970, L&C Styme Hairline e 1972, Lubalin Graph e ITC Serif Gothic en 1974.

Falleció en 1981 en Nueva York.