Revista Signo

El polémico caso de Dolce & Gabbana

Una marca como pocas que ha sabido ganarse su espacio dentro del complicado mundo de la moda, creado un sello personal, que se debate entre la sensualidad y la tradición de una Italia inspirada en el cine cuya época de oro todavía recordamos.

Detrás de Domenico Dolce y Stefano Gabbana está uno de los departamentos de marketing y publicidad más completos e importantes del mundo, pues han logrado en los últimos años con la llegada de la conocida “Moda Globalizada” abrirse paso hacia nuevos mercados con estrategias innovadoras, que con gran olfato reconocen el momento exacto en que una tendencia se hará popular.

Tantos han sido sus aciertos que con cada desfile sus ventas se impulsan a niveles inimaginables, el uso indiscriminado de influencers, sus fotografías con jóvenes modelos tomándose selfies acompañados de platos repletos de pasta  y una nonna con rostro de felicidad pasando sus recetas a las nuevas generaciones.

Pero en la moda el toque del “Rey Midas” te puede llevar de un momento a otro al más oscuro túnel que el mundo 3.0 creó para sus usuarios y todos aquellos que se sirven de él para comunicar, promocionar o vender.

INSTAGRAM DE DOLCE Y GABBANA PARA GENTE

Un poco de contexto por favor…

Esta singular pareja se conoce en 1980 y al parecer hubo química desde un principio a pesar de ser tan diferentes (uno bajito y discreto el otro alto y extravagante). Comenzaron a producir sus propios diseños en 1982 en la fábrica textil del padre de Domenico, con el que aprendió a los 7 años el arte de la costura.

Cada uno inició desde su propia visión a crear un imperio de lujo y mientras Domenico se encargaba de la producción Stefano (diseñador gráfico de formación) brindaba el estilo y así con esta dupla casi perfecta se crea el concepto de una marca cuya primera colección de ropa femenina tiene un éxito rotundo en el año 1986.

Con el devenir y las exigencias de un mercado ávido de cosas nuevas deciden ampliar sus líneas de productos, ropa masculina, infantil, bolsos, perfumes y por supuesto sus emblemáticas gafas de sol con sus iniciales a los lados en tamaño XXL.

Dolce-Gabbana

Pero no todo es un camino de rosas…

En el año 2003, ambos terminan su relación pero deciden continuar con la marca y trabajar al mismo ritmo de colaboración mutua, sin embargo el primer gran escándalo en que se ven envueltos  se debe a una investigación fiscal en la que se les acusa de evasión de impuestos por la cantidad de cuatrocientos millones de euros, teniendo que pagar multas millonarias para poder salvarse de ir a prisión.

Luego del trago amargo…

Unen sus esfuerzos y D&G llega a convertirse en un imperio dentro del sector lujo, cuyos productos elaborados con los más altos niveles de exigencia y exquisitos materiales combinados con diseños modernos llenos de vanguardia que se volvieron delicias para los temibles “Generación Millennials”.

Haciendo de la cultura italiana su estandarte con un mensaje muy claro “Tradición con Modernidad” y definitivamente nada podía ser más clásico que el centro de las bellas artes para el mundo occidental.

¡Ahora sí! Esto fue lo que pasó

Como es sabido por todos,  las marcas de lujo han clavado su mirada al mercado asiático, quienes representan la mayor cantidad de población con ingresos (sin contar con la fascinación) que les permite acceder a este tipo de artículos a los que anteriormente solo podían adquirir viajando hasta las capitales europeas.

Con la apertura de nuevas tiendas, más  Instagram Shopping este universo anteriormente exclusivo para unos pocos ha expandido su alcance hasta el codiciado mercado Chino.

Sin embargo, a pesar de ser el centro de comercio a nivel mundial no podemos olvidar que su sistema político contradictoriamente es meramente de ideología “izquierdista”.

Para el lanzamiento de su nueva colección D&G tenía dispuesto realizar un desfile con 2.500 personas en el staff de producción, 1.500 invitados , 900 metros de alfombra roja, 807 metros cuadrados de pasarela, 500 looks en escena, 400 invitados volando hacia China y 360 modelos contratados.

Estamos hablando de uno de los espectáculos más grandes presentados por una marca extranjera en ese país, para ir calentando motores crearon unos vídeos en los que se ve una joven asiática vestida de pies a cabeza por esta marca tratando de comer torpemente con palitos chinos pizza y pasta.

Lo que puede parecer dulce, gracioso e inocente fue tomado como una falta de respeto para una cultura donde definitivamente la comida italiana no es el plato favorito.

Pero la viralidad si es el plato fuerte del mundo globalizado, haciendo de este comercial el blanco de  críticas incluyendo a sus “consentidos influencers” quienes se dieron la tarea de propagar el descontento colectivo.

Como si esto no fuese suficiente el polémico Stefano (al parecer) envió un DM diciendo que los Chinos eran una m*** y que el pueblo Chino era otra m**** que por supuesto llegó a convertirse en el # más visto en cuestión de horas.

A pesar de los esfuerzos y la inocente respuesta “Mi cuenta fue hackeada” “Nuestro departamento legal se está encargando”  el maravilloso espectáculo, se canceló.

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¿Y ahora?

Comenzó una guerra virtual en la moda (fenómeno jamás visto) mientras en China policías se encuentran custodiando las puertas de las tiendas D&G estas recogen y tiran en cajas estos preciados artículos que de la noche a la mañana ya no tienen ningún valor.

Mientras en el otro lado del mundo las vitrinas en Milán se llenan de consignas en apoyo a este par de oriundos orgullo de la ciudad.

Estamos en presencia de un fenómeno increíble en el sistema de la moda que busca cambiar después de 150 años de mantenerse como una institución intacta al tiempo, pero que desesperadamente está rompiendo con las cadenas del pasado incluyendo todas las teorías inquebrantables de Fashion Marketing.

En conclusión

Debemos sentirnos como amantes de la moda que somos afortunados de poder ver en primera fila todos los cambios que se avecinan. La modernidad se enfrenta a las tradiciones de un país, el lenguaje universal definitivamente no existe, cada quien lo interpreta como quiere y tiene el arma más letal de todas un teléfono inteligente con el cual puede provocar un escándalo global y poner a tambalear una de las marcas con mayor proyección en el mundo que deberá reinventarse para no perder a su comprador más importante.

Cuando veas las barbas de tu vecino arder pon las tuyas en remojo  Refrán Popular

Oswald Cooper y su Cooper Black

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Oswald Bruce Cooper (1879 – 1940).

Oswald Bruce Cooper nació el 13 de abril de 1879 fue un diseñador norte americano, diseñador gráfico, letrista y profesor.

Cooper nació en Mount Gilead – Ohio, pero se mudó a Coffeyville – Kansas, cuando era muy joven. Dejó la escuela secundaria a los diecisiete años buscando convertirse en un gran impresor. Estudió ilustración en la Escuela de Ilustración de Frank Holme, primero estudió por correspondencia y luego se mudó a Chicago para continuar du formación presencialmente. Su innata destreza, lo hizo destacar en la clase de letras impartida por Frederic Goudy y pronto se convirtió en el director del departamento de correspondencia de la escuela.

Después de la muerte de Holme en 1903, la escuela cerró debido a dificultades financieras, y Cooper se encargó de proporcionar educación por correspondencia.

En 1904, Cooper y Fred S. Bertsch formaron la firma de diseño de Bertsch & Cooper, proporcionando campañas publicitarias para cuentas como Packard Motor Car Company y Anheuser-Busch Breweries, con Cooper proporcionando letras distintivas hechas a mano lograron impulsar la firma. En 1914 Bertsch & Cooper amplió su gama de servicios, y para cuando Fred Bertsch se retiró en 1924, Bertch & Cooper empleó a más de cincuenta personas y era la empresa de producción de arte más grande del Medio Oeste en Estados Unidos.

Oswald Cooper demostró durante el tiempo que trabajó junto a Fred Bertsch un gran talento para escribir, esto hizo que muchas agencias de publicidad lo buscaran para contratar sus servicios como redactor, pero Cooper nunca aceptó y siempre escribió solo para su propia compañía.

Alto, larguirucho y casero, Cooper era un hombre tímido, evitando situaciones sociales e incluso contactos comerciales innecesarios. Los que eran cercanos a él lo llamaban “Oz”, para los demás, era “el señor Cooper”. En 1920, se casó con su prima segunda, Mary Lou Foster. No tuvieron hijos y durante el último año y medio de su vida, Cooper estuvo enfermo de cáncer y murió en Chicago en 1940. En el año 1949 fue publicada una antología de su trabajo.

La Cooper Black es una tipografía tipo display ultra-bold con serifas hecha para ser usada en anuncios publicitarios, creada por Oswald en 1919 y lanzada por la fundidora Barnhart Brothers & Spindler en 1922. Esta letra fue dibujada con un peso ultra-bold. Se convirtió rápidamente en una tipografía estándar y fue autorizada por American Type Founders y también copiada por muchos otros fabricantes de sistemas de impresión.

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Igualmente Cooper fue una tipografía que causo revuelo en la comunidad tipográfica estadounidense, inclusive fue producto de la burla de algunos de sus mas acérrimos detractores, llamada por muchos como «la amenaza negra», tal vez por su exagerado peso, su peculiar forma simpática y redondeada, la cual debió ser un aspecto muy innovador para una época donde el diseño tipográfico tenía una visión más conservadora.

Pero la letra fue muy popular entre los diseñadores gráficos de la época. Oswald la llamo «la letra para impresores con visión de futuro y clientes miopes». Su éxito fue tal, que la fundición tenía problemas para crear suficientes fuentes. Se convirtió en uno de los tipos de letra más populares que se lanzaron en Norte América en ese momento y tuvo una gran influencia en el estilo de los años 20 y 30.

Sin embargo, su gran encanto y sus simpáticas formas conquistaron al público y su uso en los anuncios publicitarios fue cada vez más frecuente. Oswald Cooper sin embargo, continuó su carrera por mucho tiempo como artista del leterring.

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Cooper sigue siendo hoy en día una de las tipografías más famosas, utilizada en infinidad de anuncios y publicaciones. Ha sido motivo de inspiración para otros diseñadores al momento de crear nuevas fuentes.

Oswald Cooper realizaría varias versiones de la misma familia, que en orden cronológico quedarían de la siguiente forma:

Cooper Oldstyle (1919), Cooper Black ™ (1920), Cooper Italic (1924), Cooper Black condensed (1925), Cooper Hilite (1925), Cooper Initials (1925), Pompeian Cursive (1927), Cooper Fullface (1928 )

Hoy en día se cataloga a la Cooper Black como una letra con gran influencia. Cooper Black se convirtió en el mayor legado de Oswald Cooper, incluso él mismo no es casi conocido y aun cuando su letra esta disponible en la mayoría de los programas de edición de texto y de diseño, muy pocos conocen sobre su vida. La mayoría de los críticos ridiculizaron la fuente al principio, pero encontrarían nuevas y aceptables vías de uso, ya que los anunciantes necesitaban algo fácil de leer y amigable. Desde Cecrea, brindamos este pequeño reconocimiento a este gran diseñador, quien sin duda impulso el estilo de letra display y el uso del lettering en la publicidad de los años 30, 40 y 50.

Adrian Frutiger – El Diseño Internacional Suizo

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Sin duda alguna al nombrar a Frutiger, se nos viene a la mente su increíble familia tipográfica «Univers», este emblemático diseñador tipográfico suizo, influenció el mundo de la creación tipográfica del siglo XX y de la tipografía digital entrado el siglo XXI, hasta su muerte.

Adrian Frutiger nació el 24 de mayo del 1928 en Unterseen, Suiza. Durante su juventud sintió gran atracción hacia la escultura, pero fue desalentado por su padre para que se dedicara a la imprenta. Sin embargo, su amor la escultura lo expresó en los diseños de sus tipografías.

Estudió en la escuela de Artes y Oficios de Zúrich, donde se enfoca en el estudio de la caligrafía. En 1951 realizó un estudio sobre la escritura occidental por el que obtuvo un merecido premio del Ministerio del Interior.

Su trabajo llego a oídos de Charles Peignot, presidente de la fundición francesa Deberny & Peignot, quien sorprendido de su trabajo le ofreció a Frutiger un puesto en su empresa. Frutiger trabajó es esta fundidora tipográfica durante nueve años, siendo su primer trabajo el diseño del tipo President.

Durante los años cincuenta, Frutiger supervisó la adaptación de muchos de los tipos clásicos de Deberny & Peignot para el sistema de fotocomposición Lumitype (Estados Unidos), tales como: Garamont, Baskerville, Bodoni, entre otros. En el año 1955 diseñó el tipo Meridien para este sistema.

Abandonó Deberny & Peignot en 1960 para abrir su propio estudio cerca de París, el cual todavía existe y está ocupado por su socio Bruno Pfäffli.

El mayor logro de Frutiger en el campo del diseño tipográfico fue la creación de la tipografía Univers. Esta fuente fue introducida para fotocomposición y composición en metal en el año 1957.

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Sistema de numeración para Univers

En la década de los setenta, se le solicita a Frutiger que diseñe las señalizaciones del Metro de París, para el cual idea una variante de Univers, especial para ser usada en blanco sobre fondos oscuros en condición de poca luz. Igualmente diseño un ingenioso sistema de numeración para poder diferenciar los 21 pesos y anchuras de la Univers, lo que significó un hito para la denominación y catalogación de tipos.

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Sistema de señalización – Metro de París

Luego uso este sistema para su tipografía Frutiger, Avenir, Helvética Neue y otras más. En 1976 diseñó un sistema de señalización para el aeropuerto Charles de Gaulles, en el que empleó un nuevo tipo sin serif creado para leerse rápidamente. Lo llamó Frutiger.

En el año 1994, Adrian Frutiger decide volver a Suiza. Allí, en su estudio localizado en Bremgarten, rediseñó diversas marcas como Swiss Post; trabajo para otras como Gaz de France o Electricidad de France, en los que se especializó en la creación de signos.

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PTT Swis Post, Sogreah Sogelerg Sedim, Forums.

Adrian Frutiger, también escribió varios libros que son sin duda parte importante de la biblioteca de cualquier diseñador gráfico:

  • Signs and Symbols: Their Design and Meaning – 1978
  • Type Sign Symbol – 1980
  • Signos, Símbolos, Marcas, Señales. – 1981
  • Symbols and Signs: Explorations – 1997.

Adrian Frutiger muere el 10 de septiembre del 2015 en Bremgarten bei Bern, Suiza, tenía 87 años.

5 Cosas que debes saber sobre la Moda

La moda por más que nos guste siempre tiene ciertos términos que  tienden a confundirnos y en algunas ocasiones a emplear mal conceptos vinculados al sector. Es increíble pero cada día con la velocidad del Internet es necesario estar más informados que nunca, algo que debe ser fundamental por trabajar en un campo que se debate entre la inmediatez y los fenómenos digitales.

Así que nos dimos la tarea de investigar y te dejamos las respuestas a 5 interrogantes sobre la industria de la moda, que quizás en algún momento te has hecho.

¿Qué es la Moda?

La moda es más que simple ropa, el hecho de vestirnos nos diferencia de los animales.  Este es un concepto mucho más amplio de lo que pensamos, está vinculada directamente con normas sociales, con el tiempo y con una localidad determinada. Solo un gran número de personas es capaz de determinar que está de moda y que no;  para que algo lo este debe ser asumida por el gusto colectivo.

Por otra parte, la moda no solo respecta a la ropa, el calzado y los accesorios, es quizás uno de sus ámbitos más conocidos. Pero todo pasa por el ciclo de la moda desde los géneros literarios, las recetas de cocina, la tecnología, la música, el arte, modismos al hablar, el uso de ciertas palabras, cualquier elemento que forme parte de la vida humana, cumple su vigencia y luego desaparece.

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Se consideran que de una u otra forma reglamentan las conductas sociales durante un tiempo determinado, establecen que se puede usar o no en una época según los gustos colectivos.

Tienen un carácter efímero tienen corta duración y en la mayoría de los casos sus fines son mayormente estéticos que funcionales.

Son dinámicas ya que nunca se detienen las modas, cambian constantemente, se renuevan y en muchos casos se transforman en todo lo contrario, jamás son estáticas pues perderían el carácter de crear novedades que tanto atraen a los seres humanos.

No tienen normas, pues no llevan una secuencia clara ni lógica lo que hace complicado poder predecirlas.  Al estar involucrada una gran masa de críticos quienes tendrán a su cargo definir que será adoptado respecta a muchos factores exteriores, anteriormente nombrados. Es imposible determinar una fórmula exacta para conocer lo que vendrá.

Se dice que la moda nació en el siglo XV cuando las túnicas pasaron a ser vestidos con mangas, cuellos y detalles. Eso es precisamente moda lo demás es indumentaria.

¿Por qué se considera que la moda es la industria del deseo?

La moda se ha convertido en una expresión individual de la estética, posterior a la segunda guerra mundial cuando se generaron cambios importantes en las formas de consumo debido al fenómeno conocido como Baby Boom, ese creciente índice de natalidad y proliferación de la población juvenil. Por consiguiente el surgimiento de la cultura en masas, que creó un sistema de valores en el que la novedad impera en todo momento.

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Entonces podemos decir que la moda es un conjunto de valores en los que predominan la estética (lo bello), la individualidad (me visto para representar lo que soy) y de novedades (ya no me gusta lo que compre quiero lo nuevo que estoy viendo)

¿Cuáles son los principales Stakeholders de la industria de la moda?

Los grupos de interés en la moda son el eje fundamental para el éxito de una empresa dedicada a este sector, la equilibrada relación con cada uno de ellos da pie a mantener relaciones sostenibles en el tiempo.

Accionistas: Propietarios de las diversas, fabricas, talleres, marcas, tiendas, establecimientos. Pueden estar integrados por un grupo pequeño de personas o por multi empresas conocidas también como consorcios financieros.

  • Empleados: Son quienes laboran en las empresas de moda, normalmente se encuentran altamente comprometidos con los valores de estas. A su vez son quienes ejercen funciones en el desarrollo de esos productos o servicios cuyo destino es el consumidor final.
  • Consumidores/clientes: Son quienes adquieren los productos o servicios en el sector moda y para quienes se crean diversas estrategias de comunicación. Lograr una relación cercana y continua con ellos, basada en la transparencia, será clave para el futuro de las compañías.
  • Proveedores: Son aquellos que suministran insumos para la generación de productos normalmente vinculados al área de hilaturas de textiles. Sin embargo también existen proveedores de servicios como es el caso del marketing, la publicidad, fotografía o manejo de redes sociales.
  • Medios de comunicación: Existen los medios tradicionales como las revistas especializadas, canales de Tv y emisoras de radio. Sin embargo con la aparición de las nuevas tecnologías, el uso de redes sociales y de otros actores como los bloggers, los instagramers o los youtubers hace que exista un replanteamiento stakeholders en este sector, pues es uno de los de mayor importancia.
  • Administraciones Públicas y órganos gubernamentales: Quienes se encargan de la regulación social y jurídica de la relación entre los diversos stakeholders. Muchos han sido los temas tratados al respecto pues existe la constante discusión de su intervención dentro de la producción de moda como es el caso de Francia o simplemente como un observador que garantice la equidad y promueva la integración caso Colombia

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El compromiso con los stakeholders (o grupos de interés) es un requisito fundamental para el éxito de las empresas del sector de la moda. La creación de valor para todos aquellos implicados en el funcionamiento de la compañía es fundamental para crear un objetivo común y afrontar los complejos problemas y retos a los que nos enfrentamos. Afortunadamente, en la actualidad, las empresas del sector cuentan con stakeholders muy concienciados con el impacto de la industria de la moda en el medioambiente, la economía y el conjunto de la sociedad

Cada empresa debe, a la luz de su enfoque y el subsector de la industria de la moda al que pertenece (textil, calzado, accesorios, marroquinería, cosmética, etc.), identificar, a través de un análisis minucioso, los principales stakeholders implicados en la organización, pues de ellos dependerá en gran parte la innovación en el modelo de negocios que actualmente es una de las premisas en la industria de la moda.

¿Que es el fenómeno de la democratización de la moda y el fashion retail?

Para entender este fenómeno debemos ir al pasado a mediados de la década de los años 50´s y el declive de la Alta costura con sus trajes hechos a la medida. Muchos talleres en París no resistieron la fuerte competencia que desde Londres y New York venían ejerciendo jóvenes diseñadores. Por lo que buscaron nuevas opciones de negocios para sobrevivir, ser competitivos y no cerrar sus casas de moda.

Dando nacimiento al conocido pret a porter, ropa confeccionada en masas, con diversas tallas, elaboradas con materiales más económicos y accesibles a un mayor número de personas.  Así mismo el crecimiento  de fábricas en Estados Unidos especializadas en ropa Utility terminó de abrir el abanico de opciones para quienes desearan vestirse a la última moda.

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Igualmente se establecieron los estilos y códigos de indumentaria, generando un cambio radical en las personas, quienes ya no se visten para demostrar pertenecen a una clase social (como ocurría en el siglo VXIII) todo lo contrario ahora nos vestimos para demostrar a que tribu urbana pertenecemos.

En la actualidad somos capaces de decidir que usar, como combinarlo y cuál es la mejor manera de llévalo, la indumentaria pasó a tener un rol primordial en nuestras vidas, es la mejor forma de comunicarnos al mundo, la moda es democrática porque nos incluye a todos y todos participamos de ella.

El retail emerge por la necesidad de  los consumidores que cada día son más exigentes, buscan la experiencia en cada producto, identificarse con las marcas, conseguir lo que desean y sentir afinidad.

Más allá de la indumentaria ¿Qué son las tendencias?

Las tendencias nacen junto con la modernidad, son la consecuencia de los grandes cambios observados desde finales del siglo XVIII en los ámbitos económicos, tecnológicos y sociológicos.

Las podemos definir tomando la célebre frase de la maravillosa Coco Chanel “La moda es todo aquello que pasa de moda” es por ello que las tendencias son la antesala de la moda.

Es un ciclo que produce un comportamiento adoptado temporalmente por un grupo social que lo percibe como apropiado para la época y la  situación.

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Comienzan como hechos efímeros y puntuales que poco a poco llegan a popularizase y volverse moda, al ser asumidos por una gran masa crítica de consumidores.

La predicción de tendencias es utilizada por tanto por los compradores como diseñadores, en apoyo de la producción y la compra de lo que se prevé será tendencia generalizada en temporadas venideras.

Sin previsiones  cuidadosamente planificadas sobre colores, tejidos y cortes, los minoristas probablemente perderían dinero pues no se venderían.

Todos estos temas son mucho más complejos y fascinantes pues involucran a la sociedad con la moda que juntas crean una de las industrias más poderosas del mundo.

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Pasarelas: la importancia de crear experiencias

Mediante el poder de las redes sociales, las semanas de la moda -que antes eran eventos privados y únicos del sector-, se han convertido en un momento cultural global, que atrae no solo a miembros del sector, sino también a consumidores finales.

Para conseguir público y atención mediática, la temática de los desfiles de moda se ha diversificado y ahora la experiencia del desfile va más allá de la pasarela tradicional, intentando transmitir la filosofía de marca a la vez que crea una experiencia entretenida y cautivadora que se traduce en ventas. Esta diversificación continua ha hecho que la semana de la moda sea más inclusiva y centrada en el consumidor, pero con un mercado cada vez más saturado ahora las marcas tienen más difícil crear resonancia de marca y destacar entre la multitud.

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En el informe del Council of Fashion Designers of America (CFDA) destaca a ocho diseñadores que triunfaron al generar impacto mediático activando distintas voces y experimentando con varios formatos de pasarelas e iniciativas fuera de los desfiles.

Uno de los diseñadores, Tom Ford, generó un total de 17.200.000 $ en valor de repercusión mediática en todos los canales online, sociales e impresos.  Triunfando al generar un gran cobertura en su pasarela plagada de estrellas, la firma de lujo celebró una exclusiva fiesta post-evento y lanzó su campaña de fragancia “FUCKING FABULOUS” poco después, ampliando el eco y la experiencia fuera de la pasarela, promoviendo más las menciones en los medios de comunicación y situándolas en los titulares de las principales revistas y blogs del sector de la moda.

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Mientras que la cobertura en redes sociales supone una gran cuota de impacto mediático durante la semana de la moda, los medios tradicionales aún son una poderosa fuente para generar valor mediático, contribuyendo a aproximadamente el 23%-32% del impacto mediático global durante las cuatro semanas internacionales de la moda en la última temporada. Con la ayuda de la tecnología y de las redes sociales, los editores ahora pueden conectar con sus lectores a través de nuevos medios. Junto con los blogueros y YouTubers, esta nueva era de influencers está llevando la experiencia de la pasarela directamente a su público, dándoles una sensación de inclusividad en este evento de un sector antes exclusivo.

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Otro ejemplo excelente de un diseñador que amplía la experiencia más allá de pasarelas tradicionales mientras experimenta con ideas innovadoras de los desfiles de moda es Tommy Hilfiger. Desde hace tres temporadas el diseñador sigue cuidando un entorno con buenas fotos para Instagram tanto para miembros del sector como para devotos del público al estimularlos y cautivarlos con los elementos experienciales de la marca, como puestos de artículos, actuaciones en vivo, atracciones de feria y puestos de comida. Con estos elementos divertidos y alegres, la marca consigue titulares en casi todas las principales publicaciones de medios de moda, a la vez que democratiza el sector y hace que esa exclusividad sea más accesible para los consumidores. Evidentemente, el éxito de su técnica de “míralo ahora, cómpralo ahora” vino poco después del show #TOMMYNOW en Tommy Pier. La marca consiguió un 60 % de aumento en ventas directas, un salto del 900% en tráfico del sitio web, con un 70 % de tráfico entrante de los visitantes que nunca habían navegado antes por el sitio.

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Aunque la tendencia del “see now, buy now” quizás no funcione para todos los diseñadores y las fiestas post-evento no formen parte del espíritu de la marca de algunos, queda claro que se ha notado un cambio en el tratamiento de los medios sector y los diseñadores, que se han reinventado por la globalización y la tecnología, ahora se enfrentan a nuevas dificultades apasionantes para reformular el modo en que ofrece la experiencia de la Fashion Week y cómo se acerca a las pasarelas para ajustarse mejor en esta era digital.

 

¡El email no ha muerto!

Aunque los escenarios cambien, las herramientas, como el email, se adaptan y evolucionan, renovándose y manteniendo su lugar. Es cierto que las redes sociales brindan grandes oportunidades para las relaciones con un determinado tipo de stakeholders, pero al menos por el momento, no sustituyen los valores intrínsecos del correo electrónico como se podría llegar a creer. Todo lo contrario de hecho y allí va el porqué:

  1. Un trabajador promedio invierte 14 horas semanales en gestionar su cuenta de correo laboral, según una investigación de Radicati Group. El mismo estudio también revela que, en el mundo corporativo, se envían 108.7 billones de emails al día y se estima que para el 2018 serán 140 los emails que recibirá y enviará diariamente un ejecutivo. Lo cual significa que a pesar de los nuevos medios el correo electrónico sigue y seguirá siendo una herramienta prioritaria de comunicación.
  2. Otra ventaja tiene que ver con la manera en que el correo electrónico se traduce en una herramienta de visibilidad. Un email bien diseñado con el seguimiento adecuado tiene un alto potencial para el posicionamiento en los buscadores. En este sentido, una redacción perfecta es esencial para crear contenidos interesantes que luego dirigirán a las páginas que nos interesa promover. El tráfico inducido desde el email representa entonces un incentivo tremendo para este posicionamiento.
  3. Existen ciertos datos en la gestión de la relación con los clientes que no pueden ser usados de forma tan consistente en las redes sociales. Sí, siempre se pueden crear listas en Twitter, LinkedIn y Facebook, pero lograr un enfoque tan específico como se logra con una base de datos bien segmentada a través del correo electrónico, es otra historia.
  4. El correo trabaja en conjunto con las redes sociales, al igual que las labores de social media marketing y de RR.PP. deben ir en paralelo pues se complementan no se solapan. De hecho, un buen email tendría siempre los botones a redes sociales y en casos de notas de prensa y comunicaciones más elaboradas se incluiría la opción de compartir el contenido de las mismas.
  5. El correo es la herramienta perfecta para la relación con ciertos contactos. Todos los documentos de “saber hacer” recomiendan lo mismo: usar el canal apropiado para cada grupo de Aliados. Las redes son fuertes en cuanto a relaciones con los clientes, pero si uno quiere entrar en contacto con, por ejemplo, autoridades locales, organizaciones gubernamentales, etc., definitivamente Facebook no será la mejor opción.
  6. La capacidad de respuesta de una petición hecha por correo electrónico puede ser más precisa. Ciertamente redes como Linkedin y Twitter son cada vez más usadas para construir relaciones a medio y largo plazo. Pero para la comunicación a corto plazo el correo sigue siendo la mejor opción. De hecho se estima que en 3 correos ya se lograría una respuesta-objetivo.
  7. El correo electrónico es un canal perfecto para distribuir contenidos. Si el email se hace de acuerdo a las necesidades de interacción actuales y cumple con todos los elementos, es una herramienta ideal no sólo para establecer relaciones, sino para mejorar la reputación de las marcas y generar engagement. En Augure, por ejemplo, ofrecemos una funcionalidad llamada “Content-to-people”, que permite encontrar periodistas y blogueros que han escrito antes sobre un contenido similar, lo cual por supuesto, ayuda a mejorar las estrategias de comunicación en este sentido.

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El email se reinventa

En la dinámica actual, el correo electrónico más que ir en decadencia, se repotencia y adquiere nuevas características:

  • El contenido que se comparte es interactivo. No se queda en el correo sino que se expande a los otros canales de comunicación (web, blogs, redes sociales, salas de prensa 2.0).
  • También es mucho más atractivo. Los gráficos, las imágenes impactantes y los vídeos explican mejor y con mejores resultados, los mensajes que antes eran sólo tarea de los textos. Las notas de prensa ahora son 2.0, brindando mayores posibilidades de comunicación.
  • El formato del email, se adapta a los nuevos dispositivos. Los correos han de ser diseñados y configurados para que puedan leerse satisfactoriamente desde móviles, por ejemplo, ya no como una opción sino como una necesidad. Esta infografía del 5º Barómetro Splio de aperturas de email marketing en móvil lo confirma:

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Lo que nos hace concluir que en las campañas de comunicación, lo más idóneo es conocer el potencial que ofrecen las distintas herramientas y utilizarlas según los objetivos que se persigan, y sobre todo según el perfil del destinatario al que se quiera enviar el mensaje, bien sea por redes sociales, o por supuesto por email.

Una frase de Cristina Aced, consultora de comunicación y bloguera, que comentaba en su artículo cómo hacer relaciones públicas en la era de los medios sociales, nos sirve de cierre:

No hay que obsesionarse con las herramientas, pero al mismo tiempo hemos de reconocer que son imprescindibles para pasar de la teoría a la práctica en relaciones públicas.

Mary Quant: La Reina de King´s Road

Los dulces sesentas fueron posiblemente la década más ambigua del siglo pasado. Tanto así que hoy en día no existe una opinión unánime sobre la moda durante esta época, porque fue producto de una serie de cambios, políticos, sociales y culturales fruto del Boom Natal que se produjo post guerra.

Los jóvenes se volvieron inconformistas, rebeldes y deseaban bajo cualquier precio romper con los patrones establecidos por sus padres y la mejor manera de ejecutarlo era a través de la ropa como identificador visual.

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Twiggy considerada el ideal femenino de la época

La premisa era hacer todo lo contrario a las generaciones anteriores, así que junto con unos nuevos ritmos musicales jamás escuchados, el movimiento juvenil en la tradicional Londres pronto se hizo sentir. Las populares calles Carnaby Street y King´s Road se llenaron de pequeñas boutiques.

Estas se volvieron en las favoritas de los jóvenes porque allí podían adquirir los nuevos diseños a precios asequibles. Así inició Mary Quant vendiendo vestidos sencillos de confección propia, destacándose del resto por tener la sensibilidad de transmitir con sus creaciones todo lo que estaba ocurriendo.

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Mary Quant en sus primeros años como diseñadora

Tomó como símbolo una flor que llegó a convertirse en el espíritu de una generación. Impuso los cortes de cabello geométricos que junto a  Vidal Sassoon liberaron a las mujeres de los  rulos y peinados armados.

Desarrolló vestidos rectos, cortos con atrevidos estampados de colores vivos que combinaba con medias pantis en tonos fuertes (lo opuesto al New Look de Dior).

Todo con aires futuristas, fue la primera que hizo abrigos y botas con PVC . Bandoleras con largas correas diseñando su propio estilo (palabra nueva para ese entonces)

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Mary Quant con Vidal Sassoon y su famoso corte de 5 puntas

Mary se atrevió como ninguna otra a subirle el ruedo a las faldas algo que le trajo muchas polémicas en primer lugar por las opiniones de los más conservadores y en segundo lugar porque aunque muchos la consideran creadora de la “Mini Falda” el diseñador André Courréges se abdico tal título.

Durante largo tiempo se ha cuestionado quien fue el verdadero artífice de tan maravillosa creación, pero los libros de la moda han resuelto de manera salomónica esta disputa de la siguiente manera:  “Courréges inventó la mini falda pero Mary Quant fue quien la hizo popular”

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Mary Quant “El mini combinaba perfecto con la minifalda, hacía todo lo que uno quería, se veía genial, era optimista, exuberante, joven, coqueto… todo en su justa medida”

Y a medida que cada vez las faldas se hacían más cortas la carrera de esta diseñadora se expandía por su estilo único, alegre y sobre todo lleno de un espíritu joven que emanaba progreso. Convirtiéndose en un impero internacional pues comenzó a desarrollar lineas de accesorios y maquillaje, que aún hoy en día siguen siendo un éxito.

Actualmente, cuando se hace referencia a iconos de la moda inmediatamente pasa por nuestra mente todo el trabajo que desarrolló Mary Quant considerada como la madre de la estética POP,  que marcó un antes y un después en la historia.