Revista Signo

El Genio de la Moda: Yves Saint Laurent

Pocas personas llegan a la cúspide de su carrera a tan corta edad, algunos lo hacen luego de muchos años otros quizás nunca logran ver éxito. Ser un genio implica desarrollar de manera prácticamente instintiva talentos con los que definitivamente se nacen.

Yves Saint Laurent tiene dos matices bien definidos en su existencia su vida personal (de la cual se podrían escribir miles de novelas) y todo lo que concierne a sus logros profesionales que resultan prácticamente imposible enumerarlos.

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Yves Saint Laurent llegó a producir 200 diseños por colección 

Nace en el seno de una familia acomodada, desde muy pequeño tuvo inclinación hacia la moda a los 17 años gana un concurso de dibujo organizado por Internacional Wool Secretariat e inmediatamente comienza a trabajar en Dior, destacándose en todo momento a tal punto llegando a superar a su propio maestro en varias ocasiones.

Sin embargo, cuando tenía tan solo 21 años fallece el fundador de esta casa de moda quedando a cargo del joven Yves que con un espiritual creativo y tenaz debe asumir la  enorme responsabilidad darle continuidad a un legado considerado parte importante de la economía de Francesa.

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Momentos antes del primer desfile de YSL para la Casa Dior

Resulta poco probable hoy en día imaginar el escándalo que este nombramiento causó en los medios especializados, sin embargo no decepcionó a nadie más bien todo lo contrario cautivó al mundo entero con cada uno de sus diseños. La crónica del International Herald Tribune resumía la jornada como “el atracón de moda más emocionante que se haya visto desde hace mucho tiempo”

Pero a pesar de este rotundo éxito debe partir al poco tiempo a cumplir el servicio militar, iniciando uno de los momentos más tórridos de su vida, al parecer sufrió de agresiones por su homosexualidad ocasionándole una crisis nerviosa por la cual fue necesario darle de baja y ser internado en un psiquiátrico; que para ese entonces utilizaban tratamientos muy rudimentarios como electrochoques y drogas (causándoles una dependencia de por vida)

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Fachada de su primera casa de moda llamada Saint Laurent (sin Yves)

Para ese entonces ya era pareja del extraordinario hombre de negocios Pierre Bergé quien al recibirlo en casa debe darle la mala noticia: Marcel Boussac propietario mayoritario de Dior decidió prescindir de su contrato sin razón aparente. Iniciando de esta manera una batalla legal por daños y perjuicios.

Dicha controversia se resuelve a favor de la pareja y se acuerda cancelar 100.000,oo francos una cantidad bastante respetable que les permitió abrir su primera tienda. Aquí es cuando se desarrolla toda la capacidad creativa de YSL llegando a decir “Dior es el Ritz yo soy la calle”, algo que supo hacer de manera increíble pues fue el primer diseñador que se atrevió a incluir en sus colecciones pret a porter  pantalones de denim.

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YSL desarrolló piezas urbanas para la vida diaria de la mujer

A parte de las lineas tradicionales (pret a porter y alta costura) creó una tercera de productos económicos, haciendo crecer su negocio de manera sorprendente. Sus colecciones iban de lo retro a lo ecléctico, sus conjuntos safaris fueron adoptados por todas las mujeres haciéndolos sus favoritos. Se inspiro en las obras de grandes artistas representándolos de forma magistral en cada uno de sus diseños.

Sin embargo existe una pieza que le caracteriza (tal como lo hizo Chanel con su famosa chaqueta de tweed) el “Smoking Femenino” convirtiéndolo en una prenda llena de sensualidad que hasta el día de hoy se considera vanguardista.

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El famoso vestido inspirado en la obra del magnifico artista Mondrian 

Yves Saint Laurent fue el primer diseñador vivo que el Metropolitan Museum of Art de New York dedicó una retrospectiva (1983/1984). Con apenas 50 años recibió todos los premios que esta industria puede otorgar, catalogándolo como el mayor exponente de la moda contemporánea.

El mundo entero lloró cuando el 1 de Junio del 2008 murió en su vivienda parisina a causa de un tumor cerebral. Todos los expertos coinciden en las palabras de Diana Vreeland la inolvidable editora de Vogue USA ” Coco Chanel y Christian Dior fueron gigantes, pero Saint Laurent es un genio”.

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YSL en su último desfile haciéndole un tributo a su Smoking Femenino y junto a una de sus musas Catherine Deneuve  

¿Conoces a Herb Lubalin ?

Herb Lubalin, fue un diseñador gráfico que se destacó por su sensibilidad hacia la tipografía y su potencial comunicacional a través de las formas. Desde muy temprana edad, a pesar de ser daltónico, mostró fascinación por el mundo del diseño gráfico. Su carrera estuvo ligada a proyectos editoriales que impulsaban sus ideas liberales en el campo político y fue un duro crítico al gobierno de los Estados Unidos.

Conocido como “The King of  Typography”, Lubalin dejó un legado tipográfico tremendo, su contribución al desarrollo del diseño moderno, es indudable y siempre estará presente, por su gran capacidad compositiva .

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Herbert F. “Herb” Lubalin, nació en Nueva York un 17 de marzo del año 1918. Ingresó a Cooper Unión a la edad de dieciséis años y rápidamente quedó fascinado por las posibilidades que representaba la tipografía como instrumento comunicativo. Una vez graduado en el año 1939, se enfrentó con dificultades para encontrar trabajo, hasta que ingresa  en Reiss Advertising donde se quedaría por varios años.

Posteriormente, inició en Sudler & Hennessey, donde trabajó por 19 años, aquí desarrolló sus habilidades como tipógrafo, atrayendo una gran variedad de talentos del diseño, tipográficos y fotográficos que incluyeron a George Lois, Art Kane y John Pistilli.

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Pistilli Roman fue el primer tipo de letra que desarrolló Lubalin en el año 1964, que más tarde compuso las marcas comerciales de la Metropolitan Opera, la Filarmónica de Nueva York y el Lincoln Center desde finales de los años sesenta hasta los ochenta.

Deja de trabajar en Sudler & Hennessey, para comenzar con su propia firma, Herb Lubalin, Inc en 1964. Colaboró con Ralph Ginzburg en tres de las revistas de Ginzburg: Eros, Fact y Avant Garde, fue responsable de la belleza visual de estas publicaciones. Diseñó la ITC Avant Garde, para la revista homónima, esta fuente podría describirse como una reproducción inspirada en el art-deco y se ve en logotipos creados en los años 1990 y 2000.

Avant Garde,  como ya habíamos mencionado anteriormente fue una famosa revista puesta en marcha por Herb Lubalin junto con el editor Ralph Ginzburg y, si bien su tiraje fue modesto, el magazine pronto se hizo extremadamente popular en ciertos círculos, incluidos los directores de publicidad y arte editorial de Nueva York. La razón era simple, en sus páginas se trataban temas de alta carga sexual y críticas al gobierno estadounidense. En Avant Garde todo era lícito, no había problema en usar un lenguaje vulgar e imágenes impactantes de artistas e ilustradores que ponían de manifiesto  su rebelión contra el sistema establecido.

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El primer número de Avant Garde se publicó en  1968 y el magazine estuvo saliendo a la calle mensualmente hasta julio de 1971.  Así con tan solo 14 números publicados, su nacimiento supuso un antes y un después en el mundo editorial. Todavía hoy en día, la revista es considerada como un símbolo de contracultura y vanguardia editorial.

Ginzburg sería posteriormente condenado y encarcelado acusado por haber violado un estatuto federal que regulaba la obscenidad en la publicidad en su anterior proyecto editorial Eros, no tuvo miedo en saltarse el establishment estadounidense y seguir su camino.

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En relación al logo de la Revista, Ginzburg en su afán de ayudar a Lubalin a desarrollar el esquema de diseño, le envió un largo resumen editorial. Posteriormente Ginzburg comentaría que a Lubalin “se le ocurrieron dos logotipos bellísimos, pero todos estaban equivocados para la publicación que tenía en mente”. Uno se basaba en el tipo de letra utilizado en las antiguas botellas originales de Coca-Cola, otro en caracteres hebreos. “Herb y yo siempre habíamos estado en la misma frecuencia creativa, el concepto de Avant Garde fue la única excepción. Él simplemente no podía conseguirlo”.

Ginzburg, en vista de esta situación, hizo que su esposa Shoshana, visitara a Lubalin en su estudio para explicarle el concepto de la revista por última vez. “Le pedí que imaginara un aeropuerto europeo moderno y limpio – o la terminal TWA –, con letreros en blanco y negro. Luego le dije que imaginará un avión despegando hacia el futuro. Usé mi mano para describir una diagonal ascendente del avión que sube hacia el cielo. Él me hizo repetir eso varias veces. Le expliqué que los logotipos que había ofrecido para este proyecto, hasta ahora, podían haber estado en cualquier revista, pero que Avant Garde , por su mismo nombre era algo que nadie debía haber visto antes”.

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Para su solución histórica, Lubalin adaptó las capitulares góticas – algo entre Futura y Helvética – y ángulo la “A” y la “V” para que encajaran juntas como una porción de pastel. Se partió la “T”, de modo que la mitad fuera parte de “N”.  La “G” perfectamente redonda, grabada en la angular “A”, que superpuso la mitad del trazo. Y la segunda “A” en la Avant era una extensión inclinada de la “A” de Garde. Ambas palabras estaban espaciadas con letras para estar perfectamente apiladas, así podrían caber como bloque en cualquier parte de la cubierta.

Avant Garde tenía una circulación modesta, pero extremadamente popular en ciertos círculos, el artífice del éxito de la revista fue Herb Lubalin, definitivamente un Gurú del diseño moderno. En su origen la tipografía Avant Garde estaba destinada principlamente para su uso en logotipos y no como tipo de letra comercial. De hecho la primera versión consistía únicamente en 26 mayúsculas.

Herb Lubalin pasó sus últimos años trabajando junto a Aaron Burns y Ed Rondthaler para fundar una empresa de creación de tipografía internacional llamada ITC (International Typeface Corporation, creada en 1970) de cuya revista U&lc (Upper and Lower Case) fue director artístico. En 1971, ITC lanzó una selección de fuentes entre las que destacaba Avant Garde.

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En 1972 empieza a enseñar en la Cornell University y de 1976 a 1981 en la Cooper Unión en New York. Impartió numerosas conferencias en escuelas de Estados Unidos, Europa, Canadá, América del Sur y Japón.

En 1977 como reconocimiento a su aporte al diseño, fue incluido en el New York Art Directors Club Hall of Fame.

Entre sus numerosos premios destacan siete medallas de oro del Art Directors Club, Director Artístico del año de la Asociación Nacional de Directores de Arte, un Clio, dos premio de The Cooper Union, Augustus St. Gaudens Medal y el Premio al Logro Profesional.

Diseñó las fuentes Pistilli Roman en 1964, L&C Hairline en 1966, ITC Avant Garde Gothic, Busurama, ITC Didi, ITC Fat Face, LSC Condensed y Tonda en 1970, L&C Styme Hairline e 1972, Lubalin Graph e ITC Serif Gothic en 1974.

Falleció en 1981 en Nueva York.

Novias Millennials ¿Como son?

Mucho se habla de los ” Millennials”:  que es la generación con más estudios alcanzados, que son marquistas, que no creen en los políticos. Pero en algo todos podemos coincidir y es en que vinieron a romper con los patrones establecidos hasta el momento (el mejor ejemplo la boda de Meghan con Harry)

Casarse es una de las tradiciones más importantes (sin importar a la generación que pertenezcas) es afianzar el amor y momento de unión con los familiares y amigos. Actualmente el 80% de las personas que están contrayendo matrimonio pertenecen a la también conocida generación “Y”.

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EL MERCADO DE NOVIAS ES UNO DE LOS LUCRATIVOS PARA LOS DISEÑADORES MODA

Ahora bien, estamos en frente a la primera camada de novias “nativas digitales” recordemos que esta es una de las características principales de este grupo, por lo tanto están hiperconectadas.  Las búsquedas de su vestido comienzan por medio de las redes sociales y páginas Web de allí la importancia de contar con espacios que estén bien diseñados y con un ambiente de navegación amigable.

A toda costa siempre van a buscar tener su propia identidad tanto en su vestido como en el lugar la decoración y temática de la recepción. Así que bye bye a usar algo por compromiso y tener un pastel tradicional, debemos presentarles propuestas creativas y que se adapten a la personalidad de los novios.

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Las Novias Millennials prefieren poner su toque personal en cada detalle

Aunque la búsqueda de opciones se haga por internet todavía el 70% de las novias prefieren adquirir su vestido en el punto de venta, sin embargo es importante contar con opciones suficientes para adaptarse a a los gustos de estas poco tradicionales novias.

Los Millennials están dispuestos a invertir para esta ocasión es por ello que en su mayoría cuentan ya con presupuestos claros sobre: cuanto pueden pagar por cada uno de sus gastos y están informados sobre los precios, calidad así como también de las cualidades de los productos o servicios que desean adquirir.

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Antes había un modelo de vestido y las mujeres se adaptaban, ahora ocurre todo lo contrario

Igualmente, esta generación está ávida por vivir nuevas experiencias y su boda no queda por fuera, es necesario conocerles muy bien; entender que nuestros modelos de negocios  deben cambiar su cara, para presentarlos un poco más allá de lo convencional y ser más originales. Debemos ser únicos, utilizar todas las herramientas tecnológicas que tengamos disponibles, adecuar nuestros espacios a las nuevas generaciones.

Estamos ante la presencia de un mercado que no deja de crecer y presentando nuevas oportunidades de negocios bastante lucrativas, pero no debemos olvidar que las Novias  Millennials vienen cargadas de ideas nuevas, que adoran estar conectadas, pero también disfrutar cada paso en su vida.

Todo lo que debes saber sobre las Campañas de Influencers

 

El marketing de influencers se ha convertido, hoy en día, en una pieza necesaria en el plan de marketing todas las marcas de moda, sin embargo la falta de certeza sobre como llevarlo a cabo, a veces significa que gastar dinero en ideas que no son realmente estratégicas y lo que es peor aún, no se pueden medir.

En un estudio realizado por la Asociación de Marketing Word of Mouth, descubrieron que  el ‘Boca-Oreja’ impulsa las ventas entre 5-200 más que los medios de comunicación de pago, por lo que las marcas de lujo ya no pueden permitirse perder el tiempo en campañas equivocadas. Las campañas de ‘influencers’ tienen la capacidad de crear un impacto emocional, algo que siempre ha sido el reto de la publicidad tradicional. Además, los seguidores se identifican inmediatamente con estos ‘influencers’  y con su contenido, lo que se traduce en ventas. Según el Informe de Influencers del 2017, el 74% de los profesionales de marketing y comunicación que trabajan en la industria de la moda, afirmó que sus estrategias con ‘influencers’ fueron eficaces en la consecución de ventas.

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Un 65% de marcas de moda trabajan con Influencers desde 2016

El mismo estudio afirma que los profesionales de RR.PP y comunicación son los encargados de negociar con ‘influencers’ para el 57% de las marcas. Estas acciones deben planificarse de una manera cada vez más estratégica, por esto queremos compartir 3 pasos esenciales que se deben tener en cuenta para asegurar que su próxima campaña de marketing sea un éxito.

¿Cuál es el objetivo de mi campaña de ‘marketing de Influencia?

El primer paso es entender tu marca, tu sector y por último lo que quieres alcanzar con tu proyecto: ¿ganar más notoriedad o aumentar tus ventas? ¿expandir tu alcance o construir más ‘engagement’? ¿ O es conseguir más cobertura en la prensa? Establecer una meta significa que al final tendrás algo sobre lo que reflexionar. Es difícil lograr mejores resultados sin plantear antes unos objetivos mínimos.

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Analiza bien que tipo de contenido generan los influencers con que te gustaría trabajar

Es frecuente que las marcas se centren en el alcance, pero si sus publicaciones están alcanzando la audiencia o la comunidad equivocada, entonces realmente no sirve de nada. Tanto las marcas pequeñas como las grandes tienen objetivos diferentes, unas pueden necesitar mayor alcance para construir mayor notoriedad de marca, mientras que otras necesitan mayor afinidad para conseguir ventas. Establecer un resultado real es lo primero que puede hacer para asegurarse que su campaña va por el buen camino.

¿Con quién debo hablar y cuál es el plan?

Todas las marcas están manos a la obra para elaborar su plan de ‘marketing de influencer’, entender con quien quieren trabajar y crear un plan para el proyecto lo más pronto posible ¡es tu mejor apuesta!

Una vez que tu equipo de marketing tenga claro el objetivo, es importante estar seguros de captar la atención de los Lideres de Opinión claves. Hoy en día, todo el mundo piensa en los líderes de opinión más obvios (o aquellos más conocidos) como la mejor elección, pero muchas veces en moda no sabemos quién es realmente nuestra audiencia y cómo podemos conectar realmente con ellos. No olvides que si no eliges un líder de opinión adecuado, puede que no obtengas los resultados deseados.

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La capacidad de identificar a la audiencia cuando descubres nuevos influencers, se se realiza de forma acertada, puede tener un rendimiento 5 veces mayor, que cualquier campaña de social media.

En un recuente informe de influencers cerca del 50% de participantes que trabajan en la industria de Moda y Retail afirman que la forma de medir los datos es el mayor reto cuando trabajas con ‘influencers’. ¿Cómo convertirte en un experto y saber más que el otro 50% de los competidores dentro industria? Es muy frecuente que las marcas intenten hacerlo de forma manual y pierdan información esencial que no pueden ser traqueada sin una herramienta adecuada o información sobre la audiencia. Peor aún, hoy en día vemos marcas que tienen demasiadas herramientas, lo que hace imposible comparar los datos de cada medio (impresos, online o sociales) para obtener una lectura real de todos los resultados.

Es importante que le dediques tiempo a evaluar tu métricas ya sea de forma manual o implementando alguna herramienta, pues no tienes otra forma de evaluar el impacto de los contenidos que estén realizando los Influencres, así mismo solicita a tu candidato sus métricas, tipo de público y región donde este tenga alcance para que analices si son compatibles con tus objetivos.

 

 

 

 

 

Monikini: Provocar el Éxito en la Moda

Las tendencias contribuyen a uniformizar el mercado textil. En estas condiciones, para una marca no es fácil distinguirse. Debido a ello, la moda, más que cualquier otra industria, ha recurrido a la provocación. Hoy los juegos corporales, lo lícito e ilícito, constituyen una obligación en este sector.

La provocación utilizada como recurso para llamar la atención debe mucho a un diseñador llamado Rudi Gernreich. Que si bien no es tan conocido por el público su trabajo es por el contrario, muy popular entre los profesionales: Tom Ford ha insistido muchas veces de su deuda contraída con él. Efectivamente Gernreich, presenta esa mezcla tan propia del mundo de la moda de oportunismo comercial, sentido artístico y militancia a favor de la liberación de las costumbres; en él se resumen las complejas relaciones entre la moda y el escándalo.

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Rudi Gernreich

Este creador tuvo una oportunidad que tal vez ningún otro podrá conocer: la de promover su nombre a través de un escándalo planetario. Esto ocurrió al diseñar en pleno 1964 el Topless Swimsuit conocido también como el Monokin, que desencadenó una polémica hoy en día difícilmente imaginable. Por más que busquemos otra creación susceptible de conmocionar tanto a la opinión pública, no la encontraríamos. Rudi no solamente nos ha legado el Monokini: también hizo de la provocación un ejemplo indispensable para las marcas de moda.

Nacido en Viena llega a Estados Unidos con su familia post Segunda Guerra Mundial. Su primer trabajo fue en una morgue, lo que le permitió estudiar muy bien el cuerpo humano. Profundizó sus conocimientos en anatomía convirtiéndose en bailarín y para ganar dinero extra diseñaba vestidos.

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Monikini 1964 aquí llevado por su Musa Peggy Moffit

Gernreich sabía hacer que hablarán de él; uno de sus asociados le describiría incluso como una “Bestia Publicitaria”. Efectivamente, cada año lograba atraer las miradas contando historias inesperadas poniendo sobre la pasarela de sus desfiles desde payasos, pasando por monjas hasta llegar a  vaqueros.

La idea del Monokini vino a su mente por primera vez 1962 sin embargo otro diseñador de la época Emilio Pucci declaró en ese mismo momento a través de una entrevista “que las mujeres abandonarían la parte superior de sus trajes de baño en menos de 10 años”. Encendiendo sus alarmas pues alguien se le podría adelantar. Aunque no fue hasta finales de 1963 cuando Susanne Kirtland, de la revista Look, le informara que prepararía un artículo sobre su pieza comentándole que era muy difícil para ella escribir sobre algo que aun no existía y le suplicó lo creara.

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El Monokini llegó a ser prohibido hasta por el Papa

Este se puso manos a la obra primeramente desarrollando un Sarong Balinés que quedaba justo debajo de los senos pero Susanne Kirtland no lo aceptó porque lo consideró  muy poco atrevido. Finalmente Gernreich diseñó un bañador con tirantes que ponía al descubierto todo el pecho. Fue fotografiado en las Bahamas, pero esta vez la Revista Look se asustó ya que ninguna modelo aceptó usarlo, por lo que esta revista decidió solo publicar la foto de espaldas;  algo que enfureció a Gernreich pues no quedó a gusto con el resultado más aún porque la única que se atrevió a posar con él fue una prostituta local algo que se dió a conocer inmediatamente.

Decide realizar una nueva sesión de fotos y busca a dos grandes amigos (con quien realizará trabajos extraordinarios hasta los últimos días de su vida) la modelo Peggy Moffit y su esposo el fotógrafo William Claxton. Buscando no entrar en clichés evita a Playboy y revistas de este tipo, pero nadie tenía el valor de publicarlo fue rechazado por Newsweek y muchas más.

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Trabajo realizado por Rudi, Peggy y William

Determinado a salirse con la suya va acompañado de Peggy Moffit quien iba vestida con un Kimono pero en la parte de abajo llevaba el famoso Topless Swimsuit, acudió a una cita con la prestigiosa Diana Vreeland editora para ese entonces de Harper´s Bazaar quien al preguntarle por el osado bañador recibe como respuesta a Peggy quitándose la ropa mostrando la pieza en todo su esplendor y a Gernreich declarando: Que el Monikini representaba la libertad, un manifiesto sobre las ataduras que la moda y las reglas impuestas por una sociedad retrograda que se niega al cambio.

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Reportaje que le dedicó la prestigiosa revista Life al Monokini

Poco a poco comenzaron a salir las primeras fotografía de esta increíble pieza provocando un escándalo sensacional, los medios centraron toda su atención haciendo muy popular la palabra Monokini, cumpliendo de esta manera los objetivos de su autor hacer su nombre popular.

Solo se vendieron 3000 piezas una cantidad bastante moderada a pesar de las manifestaciones fuera de las tiendas, los sermones en las iglesias y los ojos impávidos de quienes no podían creer lo que estaba ocurriendo.

Luego de esto  Gernreich tiene dos éxitos comerciales (no publicitarios) el No Bra y el No Bra Bra ambos considerados avances en la ropa interior femenina pues estaban compuestos de telas elásticas sin ningún tipo de alambres lo que le brindaba a las mujeres mayor comodidad y libertad en sus movimientos.

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Anuncio publicitario del No Bra Bra

Luego en 1974 propuso “Otro Traje de Baño” llamado el Pubikini que dejaba parte del pubis al descubierto y sugería que el vello se tiñera de un color parecido al del bañador.

A pesar de todos los escándalos es importante señalar lo relevante del trabajo de este diseñador; pues marcó el uso de la provocación en el mundo de la moda, estrategia utilizada en infinidad de campañas publicitarias, que van desde un YSL desnudo posando para promocionar su perfume en los años 70s, a una Kate Moss famélica e inocente mostrando la ropa interior de CK en los 90s  o más recientemente las fotografías de Tom Ford para Gucci.

Algo hemos aprendido de todo esto y es que definitivamente “El sexo vende” pero en la moda siempre debemos agregarle un toque Chic.

 

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El Pubikini de Gernreich

 

Madres Famosas – Hijas Fabulosas

Genéticamente bendecidas y acostumbradas a los flashes, no es una sorpresa que las hijas de las celebs sigan los pasos de sus famosas madres. Aquí seleccionamos los dúos madre-hija más icónicos.

Zoë Kravitz y Lisa Bonet

Zoë Kravitz y Lisa Bonet

Zoë Kravitz, la actriz de ‘Big Little Lies’, está siguiendo los pasos de su padre, la estrella de rock Lenny Kravitz, y de su madre, la actriz Lisa Bonet, hacia los flashes de manera imparable y gracias al éxito de su papel en la prestigiosa serie de televisión que ha comenzado su segunda temporada.

Reese Witherspoon y Ava Phillippe

Reese Witherspoon y Ava PhillippeLa hija que Reese Witherspoon tuvo junto al también actor Ryan Phillippe comienza a acompañar a su madre de manera habitual en estrenos y fiestas dejando en evidencia el gran parecido que guarda con su madre. Aunque Ava Phillippe todavía no se ha lanzado con la actuación, sí ha hecho sus pinitos en el mundo de la moda, protagonizando el pasado invierno una campaña de la firma Rodarte.

Melanie Griffith y Dakota Johnson

Melanie Griffith y Dakota Johnson

Dakota Johnson ya puede presumir de haberse ganado la fama por derecho propio, y no solo por ser hija de Melanie Griffith, al haber protagonizado la saga de películas de ’50 sombras de Grey’, papel que le ha catapultado como celebrity internacional.

Michelle Obama y Malia Obama

Michelle Obama y Malia Obama

Durante los ocho años en los que Barack Obama estuvo al frente de la Casa Blanca, el mundo enterio observó cómo la pequeña Malia se convertía en una joven ejemplar. Recientemente, la mayor de los Obama ha comenzado sus estudios universitarios de Derecho en Harvard, Universidad en la que su madre también estudió.

Goldie Hawn y Kate Hudson

Goldie Hawn y Kate Hudson

Es más que evidente que Kate Hudson no solo ha heredado algunos rasgos físicos de su madre, Goldie Hawn, sino también el talento para la comedia romántica, género en el que ambas tienen reservado un lugar destacado.

Vanessa Paradis y Lily-Rose Depp

Vanessa Paradis y Lily-Rose DeppLily-Rose Depp comenzó su carrera como modelo, desfilando para Chanel en 2015, aunque también se ha iniciado en la profesión de su madre, Vanessa Paradis, actuando en varias películas.